Les sculpteurs
Les sculpteurs représentent aujourd’hui une place importante dans la galerie. Des œuvres en bronze, résine, céramique, fil de fer ou porcelaine, en tirage unique ou numéroté, toutes ont en commun le talent des artistes qui les ont réalisées. De la sculpture expressionniste à la sculpture abstraite et plus conceptuelle, nous vous proposons de déc...
Les sculpteurs représentent aujourd’hui une place importante dans la galerie. Des œuvres en bronze, résine, céramique, fil de fer ou porcelaine, en tirage unique ou numéroté, toutes ont en commun le talent des artistes qui les ont réalisées. De la sculpture expressionniste à la sculpture abstraite et plus conceptuelle, nous vous proposons de découvrir l’univers qui vous correspond et vous invitons à laisser aller vos émotions.
Chaque rencontre artistique est unique, découvrez l’artiste qui se cache derrière l’œuvre dans les biographies qui vous sont proposées. Toutes les sculptures présentées ici sont disponibles en vente en ligne et en galerie. Vous pouvez acheter une oeuvre, en toute sérénité. Notre site internet est sécurisé et les mises à jours des oeuvres disponibles réalisées en temps réel. Nous vous souhaitons une belle ballade artistique !
Détails

Les sculpteurs 

  • AMEY

    Amey poursuit son travail sur le street art en changeant de support. Elle aborde ici les notions de logement, en choisissant comme support "une Brique" , de vie en société, de liberté d'expression et de représentation de la proximité. Consulter sa biographie

  • ARTIGAS PLANAS

    Artigas Planas, sculpteur espagnol né en 1960 et diplômé des beaux arts en 1985, enseigne la sculpture depuis 1988 eu sein de l'école supérieure d'art de Barcelone.

    Ses personnage glissent, rêvent, regardent, écoutent, se reposent ou pleurent mais ne tombent jamais de leur pied d'estal. La "femme" reproduite à l'infini car elle est l'infini nous confiera l'artiste. Artigas Planas la met à l'honneur et la décline associant ainsi des couleurs allant du bleu vert au rouge.

    Pour l'artiste la composition ne se limite pas au bronze, elle va au delà et occupe plus largement son univers. Artigas Planas situe son œuvre dans l'espace, dans la matière, en lui composant des socles en fer ou en corten, parfois imposants mais toujours harmonieux. De la sculpture murale à celle sur socle, l'artiste crée sans jamais se lasser.

    Artigas Planas a intégré de nombreuses collections et continue d'être présent en Espagne mais aussi au Danemark, en Norvège, en Allemagne, en Belgique et en France.

    Les mots de la galerie

    Il y  a quelques années, je faisais face aux sculptures de Joan, lors d'un salon à Nîmes. Voyant que mon regard ne quittait pas son stand, la galeriste qui le représentait est venue me parler de son travail et m'a proposé de me présenter l'artiste qui devait venir sur le salon. Il ne nous a fallu que quelques minutes pour établir ce lien de confiance qui caractérise notre relation. Depuis 2012 les" petites bonnes femmes" de Joan habitent la galerie et font le bonheur de nos clients. Une belle réconnaissance pour cet artiste qui verra en 2018 une de ses sculptures, représenter la ville de talence grâce à "Ville envie". Sa sculpture monumentale vous accueillera aux Halles de Talence (33)

    L'atelier

    Découvrez les oeuvres d' Artigas Planas en provenance de son atelier dans notre rubrique "ateliers d'artistes"

  • BERTHAUD Patrick

    Patrick BERTHAUD est passionné par la sculpture dès son plus jeune âge. Il est reçu comme Compagnon Sculpteur sur Pierre en 1998 et travaille sur les chantiers des cathédrales, une belle experience qui continue d'alimenter sa passion pour la sculpture. Ses différentes expériences le conduisent à maîtriser, de nombreux matériaux comme le bronze, les résines, la pierre et les terres cuites. Patrick Berthaud poursuit dans cette direction et crée en 2001 son atelier.
    L'artiste réalise alors de nombreuses commandes publiques mais se réserve aussi du temps pour sa création et pour la formation, ancien Compagnon il a gardé en lui l'importance de la transmission.
    L'univers artistique de Patrick Berthaud tourne autour de ses interrogations sur la nature humaine, ses forces, ses faiblesses, ses émotions, et ses limites. Des oeuvres porteuses de messages. Un travail récent sur la série "Les Labyrinthes" révèle toute la maîtrise et toute la puissance de l'artiste.

    Les mots de la galerie

    Patrick Berthaud était en déplacement à Bordeaux lorsqu’il est venu visiter la Galerie. Il s'est retrouvé dans l'univers artistique que nous représentions et a discuté avec Juliette d’une possible collaboration. Ma première rencontre avec l’artiste a été le book qu’il nous avait déposé. C’est alors que j’ai découvert "Contact", le coup de cœur a été immédiat. De cette sculpture émane une puissance surprenante qui fige l’instant. Patrick Berthaud réalise de nombreuses sculptures monumentales, il maîtrise son art sans pour autant perdre l’émotion et la sensibilité. Après quelques échanges, nous avons convenu ensemble d’une première introduction de ses œuvres en galerie.


  • BERTRAND Claude
    Claude Bertrand, né en 1949, se forme initialement au métier de paysagiste horticulteur mais la réalité du métier ne correspond pas à son âme de poète, lui qui pensait se rapprocher de la nature et de l’essence même de la vie trouve alors un second souffle dans l’enseignement. Les rencontres, la transmission et l’humain prennent une place importante dans son quotidien. En parallèle de sa vie professionnelle il travaille le bois et s’initie à la sculpture par le biais de stages puis il découvre le marbre noir, une révélation, une rencontre inattendue. Ce matériau noble et exigeant nécessite une grande expertise et Claude Bertrand se passionne pour ce travail minutieux, sa sculpture évolue, son style se précise et lui ouvre les portes des plus grandes galeries. Pour autant Claude continue d’enseigner mais cette fois-ci la sculpture, ne pouvant se résoudre à s’éloigner de ce qui nourrit son être : l’humain.
    La rencontre d’un nouveau matériau, le schiste et plus particulièrement des anciens piquets de vigne relance sa curiosité, il décide alors de redonner vie à une pierre ancrée dans la terre, la vigne, marquée par des années d’exploitation et d’en faire revivre toute la beauté. Le schiste utilisé par Claude Bertrand est feuilleté de fer ce qui lui donne dans son aspect brut cette oxydation chaleureuse et vivante. Les mains de l’artistes se laissent alors guidées par la composition naturelle de la pierre respectant ce que la nature lui offre, il joue avec les aspérités, les nuances et dessine des silhouettes élancées, féminines, comme partie intégrante de l’univers. Chaque œuvre est un hommage à la nature, à la vie.
    Aujourd’hui Claude Bertrand partage son temps entre la recherche de blocs de schiste, la sculpture et l’enseignement, des activités absolument indissociables et très similaires, enseigner c’est trouver « la pierre » qui est en chacun et lui permettre de révéler ce qu’elle a de beau, une analogie, un syllogisme, une révélation qui font de son quotidien un hymne à la vie.

    Les mots de la galerie
    Une rencontre humaine d’une extrême générosité tout comme l’est le travail de l’artiste. Les œuvres et l’artiste sont enracinés dans la vie, la terre, la nature. Sincère et à l’écoute Claude respecte autant le matériau que le personnage qui prend naissance entre ses mains, il magnifie la roche l’invitant à révéler ses secrets les plus enfouis.
  • BORGHI Pascal
    Pascal Borghi se fait la mémoire d’un passé, le témoin d’une époque. Très jeune il s’engage dans l’armée et passe 2 années au Liban en pleine guerre civile. A peine âgé de 20 ans il gardera de cette période des traces indélébiles et la conviction intime que cela doit servir à dénoncer et prendre conscience. En 2001, alors que rien ne l’y préparait, il découvre la terre. Ses doigts effleurent et se plongent dans la matière, une sensation qu’il n’oubliera jamais. Inévitablement des corps surgissent d’entre ses mains, relatant ce passé douloureux mais rendant aussi hommage à la résistance de l’homme. Pascal Borghi apprend à dompter la matière. Avec le temps et la pratique il en extraira l’essentiel. Son travail est brut, aucune fioriture y compris dans les supports. Ses œuvres en grès ou bronze sont généralement plantées en haut d’une tige comme élévation du corps vers un monde meilleur. Toute la force de l’artiste réside en sa sincérité et son humanité. Chaque œuvre est viscérale, indispensable.

    Les mots de la galerie

    Tout d’abord c’est un mail reçu il y a quelques années qui a attiré mon attention. Pascal me contactait de la part d’un confrère. J’ai été captivée par la force et la conviction des œuvres présentées mais ce n’est que plus tard que nous avons repris contact. Le travail avait encore évolué, on arrivait à l’essentiel, à la sculpture irréductible. Pascal est passé me présenter ses œuvres en galerie, un sentiment qui prend naissance au plus profond de soi, voilà ce que l’artiste venait de m’offrir.  J’ai écouté Pascal me parler de sa vie, de ses sentiments, sa sincérité et sa simplicité m’ont conquise.


    Exposition 2022
  • BRANDY Lucette

    Après sa formation à l'école des Arts Décoratifs de Limoges, Lucette BRANDY travaille pendant 10 ans dans un atelier de création. Elle décide par la suite de se consacrer à la sculpture, et entre en galerie. Ses personnages attendrissants prennent corps d'une manière très poétique. L'artiste propose une vision bienveillante et délicate de ce que nous sommes, légérement moqueuse mais pourtant si douce au regard, comme au toucher. Ses créations ne sont pas des caricatures, mais des reflets oniriques de notre essence. En compagnie de nos animaux préférés ou regardant au loin vers l'horizon où nait l'esperance, BRANDY touche au plus profond à ce qui nous lie tous, notre humanité.

    Les mots de la galerie

    Lucette Brandy était représentée par la galerie Imagine à Bordeaux, je passais régulièrement admirer son travail. Ses sculptures pleines d'humour et de bienveillance, apportaient douceur et joie de vivre. Lorsque la galerie Imagine a fermé, et m'a proposé de représenter cette artiste, j'ai immédiatement accepté. Quelques mois plus tard je rencontrais cette artiste dont j'apprécie le travail depuis plusieurs années. Lucette est d'une grande gentillesse et son travail est le reflet de sa belle personnalité.

  • CARR-ORTOLAN Val
    Artiste au plus profond d’elle-même Val Carr-Ortolan, née au Gabon en 1965, a commencé par la peinture, son premier amour, pour finalement se révéler à travers la sculpture il y a plus de 20 ans.
    C’est en 2005 que l’on découvre pour la première fois son travail. Une identité artistique très marquée dans laquelle puissance, force et douceur s’entremêlent invitant la main à toucher, ressentir, percevoir l’intention de l’artiste.
    Val nous fait redécouvrir la sculpture à travers son matériau de prédilection, le papier. Des œuvres tout en finesse, délicates et imposantes à la fois, des patines douces et sobres restituent pleinement la volonté de l’artiste.
    Val Carr. Ortolan travaille sur 2 thèmes de prédilection l’homme et l’animal, séparément ou constituant le duo indissociable de l’histoire qu’elle nous raconte.
    En 2013, Val Carr-Ortolan obtient la seconde mention spéciale du jury lors de la 11ème Biennale internationale de sculpture de Rambouillet, en 2016, le second prix de sculpture et le prix Univers des arts lors de l'Académie internationale des arts à Paris.
    En 2017, elle remporte le prix des artistes et le prix du public lors du trophée Carrare qui se tient au haras national de Saint-Lô.

    Les mots de la galerie

    J’ai découvert les œuvres de Val sur un salon d’art, elle y présentait des œuvres plus captivantes les unes que les autres. Une merveille, un trésor, la main glisse involontairement sur l’œuvre, le toucher devient extraordinaire la sensualité de l’œuvre et du matériau se révèlent comme une évidence. J’ai acquis une de ses œuvres pour l’offrir à une personne qui m’est très chère, la magie de l’œuvre a opéré, l’émotion a parlé, un moment que je n’oublierai jamais. La rencontre avec l’artiste a été toute aussi naturelle et nous avons décidé de travailler ensemble.



  • CHESNEAU Pascal
    Pascal Chesneau, né en 1967 en Bretagne, choisit un tout autre chemin professionnel que celui qu’on lui connaît aujourd’hui en se formant au métier de chaudronnier tuyauteur. Après quelques contrats au début des années 2000 il décide de compléter sa connaissance des matériaux et se forme au métier d’ébéniste qui agit sur lui comme un révélateur, sculpter est une évidence. Pascal s’imagine alors en sculpteur sur bois mais la ville de Lisieux lui commande une œuvre en métal destinée à être implantée sur un rond-point, le métal le rattrapait !
    En 2014, il obtient le prix Wildlife Artist of the Year de la prestigieuse Fondation Shepherd à Londres, qui a été le véritable déclencheur de sa carrière. Très impliqué dans la sauvegarde des espèces menacées, Pascal Chesneau collabore d’ailleurs avec la Fondation depuis cette époque. Outre l’envie de donner de la transparence au métal, plus de légèreté, on peut aussi y voir le symbole de ces animaux en voie de disparition.
    L’artiste chine des pièces automobiles, capots, toit pour leur redonner vie en les ciselant telle de la dentelle. Les animaux sauvages naissent entre ses doigts experts, quelques lignes, juste le nécessaire et l’œil fera le reste.

    Prix 
    -Prix Rosini, Snaa Bry sur Marne 2013 –
    -Prix Wildlife Artiste Of the Year, Fondation David Shepherd 2014
    -Médaille de d’argent, Salon des ---Artistes Français, Art Capital 2014
    -Prix Estades, Snaee Bry sur Marne 2015
    -Prix de la Fondation Taylor, Salon des Artistes Français, Art Capital 2015

    Les mots de la galerie
    Je connais le travail de Pascal Chesneau depuis quelques années, j’aime son agilité, ses mains de magicien qui à partir d’un matériau dur et opaque arrivent à ébaucher une silhouette légère et fragile, à exhauster la puissance et la fragilité des espèces animalières. C’est avec un plaisir non dissimulé qu’il rejoint les artistes de la galerie.
  • CHEUVA Chantal
    Originaire du Nord de la France, formée aux Beaux Arts de Lille et de Roubaix, sculpteur depuis l’âge de 20 ans, C.Cheuva travaille dans l’urgence une sculpture proche de l’expressionnisme. Sa signature reste puissante et spontanée. Plus récemment, elle oriente ses créations dans le plâtre patiné, et le bronze.
    A l’année, Elle dirige un atelier de modèles vivants ainsi que des stages et des week-ends à thèmes.
    Présente dans de nombreuses expositions personnelles et collectives, son travail est positionné en galerie et salon d’art International.
    Artiste permanent depuis 2010 dans diverses galeries européennes.
    Elle évoque la vie de chacun, de tous, d’une génération. Ce sujet universel nous confronte à une réalité dérangeante mais profondément vraie. L’artiste nous invite ainsi à réagir, à réfléchir, et à mettre un terme à cette passivité pour devenir réellement acteurs dans notre société.

    Les mots de la galerie

    J'ai découvert le travail de Chantal Cheuva sur un salon à Lille, ses sculptures à quelques mètres de moi, me captivaient. Une très belle énergie se dégageait de ce travail et la présence de ces "femmes en marche" devenait addictive. Quelques mois plus tard l'artiste me contactait afin de me proposer une collabration. J'ai alors découvert une artiste d'une grande sensibilité, très attachée à la relation humaine. J'ai eu le grand plaisir de la compter parmi nos artistes et de la présenter à Knocke, en Belgique, avant de faire découvrir son travail à Bordeaux.

    Exposition 2023

  • DE SUTTER Chantal

    Née en 1959 à Etterbeek, Chantal de Sutter est depuis son plus jeune âge attirée par l’art. Sa rencontre avec celui qui deviendra son époux, Robert de Sutter, sera un événement décisif dans sa vie. Passionnés tous deux par la sculpture, ils créent une fonderie d’art et réalisent à la cire perdue les œuvres des artistes. Il ne restait alors plus qu’un petit pas à faire pour travailler sur leurs créations artistiques. Chantal a exploré des univers très différents laissant aller son imaginaire vers l’enfance mais aussi vers la femme et sa féminité. Son travail a eu un tel succès que l’artiste n’a pu continuer son travail de fondeur et après 20 années à osciller entre fonderie et atelier, Chantal s’est exclusivement consacrée à ses créations artistiques. Présente dans les plus grandes galeries l’artiste bénéficie d’une belle notoriété.

    Les mots de la galerie

    Dans un premier temps j’ai découvert son univers enfantin, avec des ballons colorés, des enfants pointant leurs nez vers le ciel, des chevaux tout droit sortis de l’imaginaire. Chantal créait une ambiance féérique qui attirait les regards. Puis j’ai découvert au fil des années un nouveau travail tout aussi intéressant, des personnages, longilignes, raffinées et emprunts de sensibilité, qui mettent en exergue féminité et élégance.

  • DE SUTTER Robert

    Robert De Sutter, sculpteur Belge né en 1957 à Forest, fils de Clément De Sutter créateur de bijoux et fondeur à cire perdue et petit fils du peintre Ernest De Sutter, est tombé inévitablement dans le monde de l'art. Il suit des études aux arts et métiers de Bruxelles dans les années 70 et affine sa formation aux côtés de grands artistes tels que Rick Poot, Jef Vanturenhout, Pierre Caille, Olivier Leloux...et travaille différentes matières : le bronze, la pierre, la terre et la cire.

    En 1977 il rencontre Chantal de Block et tous deux créent une fonderie d'art à cire perdue dans laquelle ils réalisent les oeuvres en Bronze de nombreux artistes. Après 20 ans de métier comme fondeurs, ils décident de ne se consacrer plus qu'à leurs créations personnelles. Stylés et affinés, les personnages de Robert affichent une grande sobriété. Les bronzes s'étirent et s'installent dans des pauses d'une rare élégance où la ligne et la courbe tiennent une place essentielle, coiffés de coquillage, oeuf d'autruche, de céramique de couleur qui ne manquent pas de souligner la beauté intrinsèque de son travail.

    Les mots de la galerie

    Le travail de l'artiste nous a été présenté par un agent d'artiste. J'ai immédiatement été séduite par l'univers "irréel" de Robert. Des personnages aux silhouettes simplifiées, des attitudes simples, des corps en conversation. L'alliance bronze et céramique apporte douceur et sérénité, un univers atypique que nous souhaitions partager avec nos collectionneurs.

  • DUPIN-SJÖSTEDT Elisabeth

    L’être humain est au cœur du travail d’Elisabeth Dupin Sjöstedt. Ces corps étirés, aux formes suggérées, sont tantôt statiques, tantôt en mouvement. Les visages travaillés laissent transparaitre une personnalité mystérieuse.

    L’artiste nous transporte dans différentes époques, passées ou futures, réelles ou fantasmées.

    Le terre, faïence ou grès, permet à l’artiste de donner vie à ses personnages. Le tissu, le bois ou le sable viennent parfois se mêler à ces corps.

    L’artiste, qui a étudié l'Histoire à la Sorbonne et l'Histoire de l'Art à l’Ecole du Louvre, remporte de nombreux prix et récompenses

    Elisabeth propose une balade à travers des mondes singuliers, et nous donne envie d’en imaginer de nouveaux, peuplés de ses mystiques êtres.

    « Comment aborder ce monde, sinon avec le corps que nous habitons. Grâce à lui, nous voyons, sentons, devinons cet univers multiple et magique. Les visages et les personnages que je réalise en terre, me permettent d’explorer davantage encore la matière, mais aussi son essence. Lorsque je travaille un visage, j’attends que quelqu’un apparaisse. Quand cela se produit, l’esprit et la matière se mêlent alors, et tout prend un sens. Là réside une dualité que je cherche à chaque fois à définir et à réunifier.

    A travers cette quête, beaucoup de visages et de personnages se présentent. On ne peut définir ni le pays, ni l’époque auxquels ils appartiennent. Mais ils ont en commun cette humanité mystérieuse, mouvante, animée par l’invisible. » Elisabeth Dupin-Sjöstedt

    Les mots de la galerie

    Nous allons vers les artistes mais ils viennent aussi vers nous. Elisabeth Dupin Sjöstedt est venue en galerie lors d’un séjour à Bordeaux. Elle s’est sentie dans son environnement et a passé du temps à découvrir le travail des autres artistes. Après quelques échanges elle m’a présenté son travail. Non seulement j’avais beaucoup apprécié la personne, mais la découverte du travail était toute aussi intéressante. La décision de travailler ensemble était une évidence. Elisabeth a un univers très doux, dans lequel nous nous sentons bien immédiatement. Des visages, des couples, réalisés en porcelaine, expriment une grande délicatesse. Elisabeth a apporté une touche de douceur dans la galerie et c’est toujours avec grand plaisir que nous découvrons ses nouvelles œuvres.

    L'atelier

    Découvrez les oeuvres d'Elisabeth Dupin Sjöstedt en provenance de son atelier dans notre rubrique "ateliers d'artistes"


  • FERNANDO Béatrice

    Béatrice Fernando a suivi des études en histoire de l'art avant de se consacrer entièrement à la sculpture. le travail de la matière parait est, chez elle, un besoin vital de donner vie de ses mains. Ses oeuvres, aux identités singulières, sont faites d'une nouvelle matière, dont l'artiste a le secret. Ce mystérieux mélange, composé entre autres de grès, de sable et de céramique, permet à Béatrice de créer des sculptures souvent longilignes, à l'allure brute et aux traits expressifs.

    L'artiste pose un regard perçant sur l'Homme et nous invite à sonder l'âme de ses oeuvres.

    Présente sur le marché de l'art, elle a exposé dans de nombreuses galeries.

    Béatrice Fernando a reçu en 2010, le diplôme de la médaille de Bronze des Arts, Sciences et lettres à Paris pour "Originalité de la matière". En 2011, le 13ème salon International de Pezenas lui remet la médaille d'or.

    Les mots de la galerie

    Béatrice Fernando m’a fait découvrir son univers il y a plusieurs années. A l’époque J’avais déjà été interpellée pour ses œuvres qui tournaient autour de la tauromachie. En 2016, je l’ai croisée sur un salon d’art avec de nouveaux sujets qui correspondaient davantage à nos orientations artistiques. Réservée et amicale, Béatrice a accepté notre proposition de collaboration et depuis nous avons le plaisir de représenter son travail. Béatrice a son univers mais aussi une technique mise au point, un matériau de sa composition. Ses sculptures ont une incroyable présence qui peut parfois être dérangeante. Béatrice fait partie de ces sculpteurs qui ne laissent pas indifférents.

    L'atelier

    Découvrez les oeuvres de Béatrice Fernando en provenance de son atelier dans notre rubrique "ateliers d'artistes"


  • GALINSKI Evelyne

    "Mes personnages naissent d'une mémoire personnelle inconsciente et profonde. Il me semble qu'ils peuvent également émerger d'une mémoire collective. Ils ne racontent pas le corps humain, mais un rêve d'humanité. Ils brouillent les pistes...ils invitent à perdre les repères du temps, ceux du féminin/masculin, enfant/adulte, vivant ou mort. Ils incitent à laisser tomber toute forme de référence et à retrouver un regard semblable à celui de l'enfant".

    Evelyne Galinski, née en 1950, nous propose un travail dont il est difficile de parler. Happés par l'émotion ressentie devant les oeuvres, les mots nous paraissent bien trop réducteurs et les silences bien plus appropriés. Comment traduire une émotion qui nous submerge et nous tenaille ? Un bien-être, une paix intérieure, une universalité, un infini de possibles...la terre, l'être, l'âme,...la terre...


    Les mots de la galerie

    Rencontre chargée en émotion !!! J’ai tout d’abord découvert les sculptures d’Evelyne Galinski sur le net. Les premières œuvres m’ont interpellée puis j'ai commencé à suivre son travail. Quelques mois plus tard nous prenions contact et convenions d’une première rencontre destinée dans un premier temps à faire connaissance. Evelyne est venue sur Bordeaux et m’a présenté « Döl » j’ai été envahie pour une émotion si palpable qu’Evelyne m’a laissé cette sculpture alors que nous n’en étions qu’à la première prise de contact. Evelyne est une artiste sensible et entière qui donne ce qu’elle a sans réserve. Ses sculptures naissent de ses mains parfois sans qu’elle s’en rende compte. Chaque œuvre est émouvante, troublante, une âme pour chacune.


    Exposition 2023

    Exposition 2020

  • GUERRIN Anne
    Au départ une attirance vitale pour la terre. Anne Guerrin, fille d'agriculteur, touche la terre depuis son enfance, la respire, la triture, un besoin vital qui n'a cessé de l'habiter. Après plusieurs déménagements c'est dans le superbe écrin du parc naturel du haut Languedoc, là où les éléments naturels expriment leur force et sont propices à la création qu'elle décide de se poser et d’installer son atelier.
    Les « Sages » sont des êtres universels qui ont traversé le temps, il y a en eux quelque chose qui est de l'ordre de la mémoire ancestrale. Ils sont nés du cheminement d'une vie, d'un intérêt pour le sacré, celui-ci se manifestant sous plusieurs formes, rites, symboles, mythes, lectures... l'observation de l'homme placé au centre de tout. Ceux qui portent des jupes ou robes à travers le monde et qui attirent son attention sont les religieux mais aussi certains danseurs de butô.

    Les mots de la galerie

    J’ai rencontré Anne en 2014, elle avait alors des engagements qui, malgré l’intérêt que j’ai immédiatement porté à son travail, ne nous ont pas permis, à cette époque, de collaborer. Fin 2019 l’artiste, libérée de ses engagements, reprend contact avec un travail qui s’affirme, des personnages encore plus charismatiques, un univers qui me séduit.
    Les œuvres parlent de ruptures, de spiritualité, de transversalité, une approche qui me séduit.
  • HALFTERMEYER Hellen
    Biographie d'Hellen Halftermeyer.
    Les sculptures en fil de fer d'Hellen, nous font découvrir par projection des oeuvres que l'oeil ne découvre pas immédiatement. Les volumes prennent forme dès lors qu'on les suspend ou qu'on les accorche au mur.
    Un travail expressif qui vient compléter  une artiste peintre déjà établie.
  • LAVERI Giorgio

    Giorgio Laveri, est un artiste italien déjà présent dans de nombreux musées, consécration de plus de 45 ans de vie artistique. Giorgio est né en 1950 à Savone. Acteur, assistant plateau, metteur en scène, il réalise son premier film en 1978. Giorgio Laveri est un passionné qui a toujours donné sans compter. Généreux, l'humain reste sa priorité. Très jeune il a découvert la céramique par l'un des maîtres de la discipline : Lucio Fontana qui l'initia à ce qui deviendra sa grande passion.
    Giorgio garde de cette période de sa vie un magnifique souvenir, marcher sur les traces des grands maîtres, s'en nourrir et leur rendre hommage, rien de plus beau pour l'artiste.
    Giorgio reste l'artiste pluridisciplinaire de ses débuts, il enchaine le cinéma, le théâtre, la peinture, la céramique. Depuis 1974 il a écrit et réalisé 11 films et plus 19 pièces de théâtre dont le "Mariage Bet" lauréat du Prix  de la critique au "Cinéma à domicile" du festival de Rome.

    En 1990, il va plus loin dans sa recherche en créant sa première pièce de théâtre sur le thème "Céramique-lumière-mouvement", dans laquelle "des acteurs et de la céramique interagissent sur la scène sur une chorégraphie lumineuse".

    En 1993, il adhère au groupe français Art mobil avec lequel il projette une série d'événements en Italie et en France, comme la signature avec Patrick Moya et Véronique Champollion du Manifeste du Mouvement Artistique Méditerranée, toujours en évolution.

    En 1996, il fonde le département de la santé mentale de Gênes, "II Giardino del Mago" avec lequel il produit une série d'œuvres liées au théâtre et au cinéma expérimental.

    Au total c'est plus de 200 manifestations organisées entre cinéma, théâtre, spectacles et expositions.

    En 2017 l'Italie lui rend hommage avec une exposition d'une envergure exceptionnelle.


    Les mots de la galerie

    J'ai découvert "Le rouge à lèvres" de Giorgio Laveri sur un salon à Paris en 2012, Ce travail remarquable, cachait un artiste d'une grande sensibilité au parcours atypique. J'ai rencontré Giogio quelques heures plus tard sur stand et suis repartie avec ses œuvres. Cette confiance donnée spontanément m'a beaucoup touchée. Quelques années nous ont permis de mieux nous connaitre et de trouver toujours autant de plaisir à travailler ensemble. Giorgio propose des œuvres contemporaines, des objets de la vie qui reprennent sens et vie entre ses mains.

    Exposition 2022

  • MIROGI

    Mirogi a exercé comme kinésithérapeute et ostéopathe ce qui lui a permis de parfaire ses connaissances de l'anatomie. Un concours de circonstances incroyable allait modifier son parcours lorsqu'elle découvre  en 1999 l'atelier d'Annick Aublet. Mirogi travaille alors jours et nuits pour retranscrire des années d'expérience comme kiné. Le corps, elle le maîtrise, reste à lâcher prise et à se laisser aller à sa perception de la féminité.
    L'artiste travaille à partir de modèles vivants dans l'atelier et a pour habitude de finir les pièces chez elle, en particulier les mains et les visages qui demandent beaucoup de minutie.
    Mirogi réalise des oeuvres abouties où les patines retranscrivent parfaitement les jeux de lumière sur les corps. Mirogi est une artiste au style affirmé ,exposée dans les plus grandes galeries. Nombre de ses bronzes ont intégré de belles collections en France et à l'étranger.

    Les mots de la galerie

    Les sculptures de Mirogi m'ont été présentées par un agent d'artiste. Outre l'aspect esthétique de son travail, j'ai apprécié les postures et la connaissance du corps. Les oeuvres de Mirogi sont atemporelles, on ressent pleinement toute la féminité de ses sujets et leur fragilité. Par la suite j'ai eu le plaisir de rencontrer l'artiste et de partager avec elle sur son travail, une belle rencontre qui ne fait que confirmer le ressenti que l'on a devant ses oeuvres.

  • MOUZAT Pierre

    Après des années de travail sur « la vie » et « la vieillesse » Pierre Mouzat nous présente des sculptures bienveillantes, où âge et amour se retrouvent dans ces corps flétris, attendrissants. La rencontre des œuvres de Pierre est un cheminement sur ce que nous sommes, nos valeurs, le sens et l’amour de la vie. L’artiste m’a dit « s’il y a la vieillesse c’est qu’il y a eu une vie, une jeunesse » avec un sourire empreint de sagesse et de douceur.

    Né en 1958, c’est dans les années 70 que Pierre MOUZAT a découvert la sculpture dans l’atelier de Jean Loup DELAROCHE à Loudun et a suivi des cours à l’Académie de dessin de Jacques Gabriel CHEVALIER. Par la suite Pierre Mouzat sera reçu à l’Ecole Boule de Paris dont il sortira major. En 1999 il est le lauréat d’un concours national pour la réalisation du buste du président français François MITTERRAND. Buste érigé dans les jardins de Château Chinon.

    Les mots de la galerie

    J’ai découvert les œuvres de Pierre Mouzat dans une exposition de campagne, réservée aux sculpteurs, qui n’avait rien à envier aux choix artistiques des galeries. Le salon, d’un très bon niveau artistique, venait de me surprendre, je ne connaissais pas cet événement et découvrais des œuvres remarquables quand mon regard s’est arrêté sur les œuvres de Pierre. Pierre propose un univers qui peut paraitre difficile de prime abord mais dans lequel on perçoit toute la bienveillance de l’artiste. Quelques semaines plus tard Pierre Mouzat me rendait visite à la galerie, accompagné d’Hellen Halftemeyer, jeune artiste peintre de talent dont j’avais repéré le travail. Cette rencontre à trois, sympathique, directe et amicale a très vite donné naissance à notre collaboration. Pierre déborde de valeurs humaines que j’apprécie au-delà de l’intérêt que je porte à son travail. Nous travaillons ensemble depuis novembre 2017.


  • ROLAND ART
    Roland Art est devenu un artiste comme sa maman à qui il voue une grande admiration. Dès son enfance il s’installe à ses côtés avec ses papiers et sa peinture et tente d’imiter ses gestes si souvent observés. Roland évolue avec les animaux depuis toujours, petit il aimait rendre visite aux voisins et regarder avec bonheur le troupeau de vaches laitières dans lequel circulaient de nombreux chats âgés et chatons. De retour chez lui il filait au refuge pour animaux qui accueillait des oiseaux blessés, plus particulièrement des oiseaux d’eau, jusqu’au jour de leur guérison. Là c’était le plus beau moment, Roland aidait à les libérer pour retrouver leur milieu naturel, il s’imagine alors s’élever comme eux et gagner sa liberté pour rejoindre son monde imaginaire. Ce monde tous les soirs il le contemple dans sa chambre en imaginant des animaux, dessinés sur la frise au mur, rejoindre un monde enchanté et haut en couleurs.
    Amoureux de la nature, c’est tout naturellement que Roland embrassera la carrière de véliplanchiste professionnel et apprendra de l’océan pendant 10 années. Il fabriquera ses planches de surf sur lesquelles il remporte des compétitions.
    Roland n’a jamais abandonné ni le dessin ni la peinture et c’est en 1995 qu’il commence à travailler le bois pour lequel il a découvert son attirance au Danemark. Il créé alors des chats en bois avec le célèbre oiseau sur la queue. Les chats sont ses animaux préférés, mais aussi les vaches, les oiseaux, les fleurs et les cœurs qu’il interprète sans relâche jusqu’à donner vie à son imaginaire. Chaque pièce est unique et faite avec beaucoup « d’amour » et de technique, Roland est passionné, il vit dans cet univers gai et enfantin, il s’amuse de ses créations, relève les défis au quotidien et ses œuvres enrichissent un monde empli de bonheur, l’oiseau s’est libéré !
    « Les titres naissent pendant la réalisation d'un panneau ou d'une sculpture, avec leur propre langage de mots. Je rampe au fond de mon cœur pour trouver des mots qui n'existent pas encore. Mon style relève du pop art et est imaginatif, rêveur et peint de manière expressive jusqu'à ce que je sois heureux, je ne peux faire que ça. »

    Les mots de la galerie

    Si on me demandait pourquoi j’ai sélectionné le travail de Roland Art, je répondrais simplement parce qu’il m’a fait sourire. Parfois une œuvre vous offre la possibilité d’entrevoir l’enfance et l’insouciance. Des animaux roses, le ciel vert et la mer jaune et tout est normal. Les œuvres de Roland Art ont cette faculté à vous faire dériver vers un monde imaginaire où tout est possible, mieux encore où tout est réel.