Les sculpteurs 

Artigas Planas est un sculpteur espagnol né en 1960 et diplômé des beaux-arts en 1985. Il a été durant de nombreuses années enseignant au sein de l'école supérieure d'art de Barcelone et artiste. Menant de front ses deux carrières professionnelles totalement indissociables pour lui il est aujourd’hui retraité de l’enseignement et se consacre uniquement à la sculpture. Ses personnages glissent, rêvent, regardent, écoutent, se reposent ou pleurent mais ne tombent jamais de leur piédestal. La "femme" reproduite à l'infini car elle est l'infini nous confiera l'artiste. Artigas Planas la met à l'honneur et la décline associant ainsi des couleurs allant du bleu vert au noir. Pour l'artiste la composition ne se limite pas au bronze,  elle va au delà et occupe plus largement son univers. Artigas Planas situe son œuvre dans l'espace, dans la matière, en lui composant des socles en corten ou métal recouvert d’une patine rouille, parfois imposants mais toujours harmonieux. De la sculpture murale à celle sur socle, l'artiste crée sans jamais se lasser.

Artigas Planas a intégré de nombreuses collections et continue d'être présent en Espagne mais aussi au Danemark, en Norvège, en Allemagne, en Belgique et en France

L'artiste a réalisé pour la ville de Talence l'œuvre monumentale visible à l'entrée des nouvelles Halles, voir l'œuvre

Artigas Planas : Les mots de la galerie

Il y  a quelques années, je faisais face aux sculptures de Joan, lors d'un salon à Nîmes. Voyant que mon regard ne quittait pas son stand, la galeriste qui le représentait est venue me parler de son travail et m'a proposé de me présenter l'artiste qui devait venir sur le salon. Il ne nous a fallu que quelques minutes pour établir ce lien de confiance qui caractérise notre relation. Depuis 2012 les" petites bonnes femmes" de Joan habitent la galerie et font le bonheur de nos clients. Une belle réconnaissance pour cet artiste qui verra en 2018 une de ses sculptures, représenter la ville de talence grâce à "Ville envie". Sa sculpture monumentale vous accueillera aux Halles de Talence (33)

Patrick BERTHAUD est passionné par la sculpture dès son plus jeune âge. Il est reçu comme Compagnon Sculpteur sur Pierre en 1998 et travaille sur les chantiers des cathédrales, une belle experience qui continue d'alimenter sa passion pour la sculpture. Ses différentes expériences le conduisent à maîtriser, de nombreux matériaux comme le bronze, les résines, la pierre et les terres cuites. Patrick Berthaud poursuit dans cette direction et crée en 2001 son atelier.
L'artiste réalise alors de nombreuses commandes publiques mais se réserve aussi du temps pour sa création et pour la formation, ancien Compagnon il a gardé en lui l'importance de la transmission.
L'univers artistique de Patrick Berthaud tourne autour de ses interrogations sur la nature humaine, ses forces, ses faiblesses, ses émotions, et ses limites. Des oeuvres porteuses de messages. Un travail récent sur la série "Les Labyrinthes" révèle toute la maîtrise et toute la puissance de l'artiste.

Patrick Berthaud : Les mots de la galerie

Patrick Berthaud était en déplacement à Bordeaux lorsqu’il est venu visiter la Galerie. Il s'est retrouvé dans l'univers artistique que nous représentions et a discuté avec Juliette d’une possible collaboration. Ma première rencontre avec l’artiste a été le book qu’il nous avait déposé. C’est alors que j’ai découvert "Contact", le coup de cœur a été immédiat. De cette sculpture émane une puissance surprenante qui fige l’instant. Patrick Berthaud réalise de nombreuses sculptures monumentales, il maîtrise son art sans pour autant perdre l’émotion et la sensibilité. Après quelques échanges, nous avons convenu ensemble d’une première introduction de ses œuvres en galerie.

Pascal Borghi : Les mots de la galerie

Artiste au plus profond d’elle-même Val CARR-ORTOLAN , née au Gabon en 1965, a commencé par la peinture, son premier amour, pour finalement se révéler à travers la sculpture il y a plus de 20 ans.
C’est en 2005 que l’on découvre pour la première fois son travail. Une identité artistique très marquée dans laquelle puissance, force et douceur s’entremêlent invitant la main à toucher, ressentir, percevoir l’intention de l’artiste.
Val nous fait redécouvrir la sculpture à travers son matériau de prédilection, le papier. Des œuvres tout en finesse, délicates et imposantes à la fois, des patines douces et sobres restituent pleinement la volonté de l’artiste.
Val Carr. Ortolan travaille sur 2 thèmes de prédilection l’homme et l’animal, séparément ou constituant le duo indissociable de l’histoire qu’elle nous raconte.
En 2013, Val Carr-Ortolan obtient la seconde mention spéciale du jury lors de la 11ème Biennale internationale de sculpture de Rambouillet, en 2016, le second prix de sculpture et le prix Univers des arts lors de l'Académie internationale des arts à Paris.
En 2017, elle remporte le prix des artistes et le prix du public lors du trophée Carrare qui se tient au haras national de Saint-Lô.

Découvrez l'exposition 2024 à la galerie Bouillon d'art à Bordeaux

Les mots de la galerie

J’ai découvert les œuvres de Val sur un salon d’art, elle y présentait des œuvres plus captivantes les unes que les autres. Une merveille, un trésor, la main glisse involontairement sur l’œuvre, le toucher devient extraordinaire la sensualité de l’œuvre et du matériau se révèlent comme une évidence. J’ai acquis une de ses œuvres pour l’offrir à une personne qui m’est très chère, la magie de l’œuvre a opéré, l’émotion a parlé, un moment que je n’oublierai jamais. La rencontre avec l’artiste a été toute aussi naturelle et nous avons décidé de travailler ensemble.

Prix 
-Prix Rosini, Snaa Bry sur Marne 2013 –
-Prix Wildlife Artiste Of the Year, Fondation David Shepherd 2014
-Médaille de d’argent, Salon des ---Artistes Français, Art Capital 2014
-Prix Estades, Snaee Bry sur Marne 2015
-Prix de la Fondation Taylor, Salon des Artistes Français, Art Capital 2015

Les mots de la galerie

Originaire du Nord de la France, formée aux Beaux Arts de Lille et de Roubaix, sculpteur depuis l’âge de 20 ans, C.Cheuva travaille dans l’urgence une sculpture proche de l’expressionnisme. Sa signature reste puissante et spontanée. Plus récemment, elle oriente ses créations dans le plâtre patiné, et le bronze.
A l’année, Elle dirige un atelier de modèles vivants ainsi que des stages et des week-ends à thèmes.
Présente dans de nombreuses expositions personnelles et collectives, son travail est positionné en galerie et salon d’art International.
Artiste permanent depuis 2010 dans diverses galeries européennes.
Elle évoque la vie de chacun, de tous, d’une génération. Ce sujet universel nous confronte à une réalité dérangeante mais profondément vraie. L’artiste nous invite ainsi à réagir, à réfléchir, et à mettre un terme à cette passivité pour devenir réellement acteurs dans notre société.

Chantal Cheuva : Les mots de la galerie

J'ai découvert le travail de Chantal Cheuva sur un salon à Lille, ses sculptures à quelques mètres de moi, me captivaient. Une très belle énergie se dégageait de ce travail et la présence de ces "femmes en marche" devenait addictive. Quelques mois plus tard l'artiste me contactait afin de me proposer une collabration. J'ai alors découvert une artiste d'une grande sensibilité, très attachée à la relation humaine. J'ai eu le grand plaisir de la compter parmi nos artistes et de la présenter à Knocke, en Belgique, avant de faire découvrir son travail à Bordeaux.

Exposition 2023

Barbara Daeffler, sculptrice des mémoires du vivant

Parmi les artistes qui renouvellent aujourd’hui la sculpture céramique contemporaine, Barbara Daeffler occupe une place singulière. Son œuvre se situe à la frontière de l’archéologie imaginaire, du monde animal et de la mémoire des matières. À travers un bestiaire puissant et sensible, elle façonne des créatures qui semblent surgir d’un temps oublié, comme exhumées d’un passé ancestral pour retrouver une présence dans notre monde contemporain.
Née en 1973 à Saint-Louis, Barbara Daeffler vit et travaille aujourd’hui à Langueux, en Bretagne. Son parcours artistique se nourrit d’une double passion : l’observation du vivant et la recherche des traces laissées par les civilisations anciennes. Diplômée en histoire de l’art, archéologie puis ethnologie à l’Université de Strasbourg, elle développe très tôt une fascination pour les liens qui unissent l’homme, l’animal et les cultures anciennes. Cette réflexion constitue encore aujourd’hui le socle de son travail artistique.

La découverte de la céramique s’inscrit naturellement dans cette démarche. Au fil de fouilles archéologiques et de formations spécialisées, elle explore les propriétés de la terre comme matériau de mémoire. Pendant plusieurs années, elle transmet son savoir au sein d’un centre dédié aux Arts du Feu en Bretagne, avant de créer son propre atelier en 2018 afin de se consacrer pleinement à sa recherche plastique. 

L’univers de Barbara Daeffler est peuplé d’animaux énigmatiques, à la fois familiers et mythologiques. Mammifères, oiseaux ou créatures hybrides apparaissent comme les témoins d’une paléontologie rêvée. Leurs silhouettes fragmentées, parfois incomplètes, évoquent les vestiges retrouvés lors de fouilles archéologiques. Pourtant, loin d’être figées dans le passé, ces formes possèdent une force expressive remarquable. Elles semblent habitées par une énergie primitive, comme si le temps avait laissé sur elles son empreinte sans jamais altérer leur vitalité. 

Dans son travail, la matière joue un rôle essentiel. Barbara Daeffler privilégie le grès chamotté, dont la rugosité et la résistance lui permettent de pousser la terre jusqu’à ses limites. Les surfaces sont travaillées comme des peaux vivantes : fissures, érosions, aspérités et accidents deviennent des éléments constitutifs de l’œuvre. À ces textures minérales s’ajoutent la douceur de la porcelaine, la richesse des oxydes, des pigments et des émaux, créant un dialogue subtil entre fragilité et puissance, préciosité et imperfection. 

Cette recherche esthétique s’accompagne d’une véritable réflexion sur le temps. Les sculptures de Barbara Daeffler portent les marques de la fossilisation, de l’usure et de la transformation. Certaines semblent avoir traversé les siècles ; d’autres prennent la forme de totems contemporains pouvant atteindre plusieurs mètres de hauteur. Toutes interrogent notre rapport au vivant et notre place dans une histoire bien plus vaste que celle de l’humanité seule. 

L’artiste puise également dans les matériaux collectés au fil de ses explorations : argiles, sables et terres diverses deviennent les vecteurs d’une géographie intime. Chaque œuvre conserve ainsi une part du territoire dont elle est issue, comme une mémoire enfouie révélée par le feu de la cuisson. Cette relation profonde à la matière et au paysage confère à ses sculptures une dimension presque tellurique. 

Depuis l’ouverture de son atelier, Barbara Daeffler expose régulièrement dans des galeries, salons et manifestations dédiées à la céramique et à la sculpture contemporaine. Son travail a notamment été présenté à Art Capital au Salon des Artistes Français à Paris, aux Rencontres Céramiques de Nantes, à la Biennale de sculpture et peintures animalières de Rambouillet ou encore aux Arts du Feu de Rennes. En 2024, elle reçoit le Premier Prix Sculpture du Salon de Printemps de Carquefou, une distinction qui vient saluer la singularité et la qualité de sa démarche artistique. Elle est également membre d’Ateliers d’Art de France. 

À travers ses œuvres, Barbara Daeffler invite le spectateur à redécouvrir une relation sensible avec le monde animal. Ses sculptures ne représentent pas simplement des créatures ; elles racontent des histoires anciennes, des mythes possibles, des mémoires enfouies. Entre archéologie et imaginaire, entre matière brute et poésie, son œuvre ouvre un espace de contemplation où le vivant retrouve toute sa dimension mystérieuse et sacrée.

Barbara Daeffler : les mots de la galerie

Barbara m'a contactée pour me présenter son travail en 2025. J'ai aimé l'approche archéologique, la relation au temps et la maîtrise des matériaux. Les échanges ont été simples et très enrichissants aussi j'ai souhaité l'intégrer aux artistes de la galerie et vous présenter son travail.

Né en 1988, Fabian Delberghe incarne l'essence d'un parcours artistique façonné par la diversité de ses expériences et par une quête constante d'exigence. Avant d’atteindre la notoriété artistique qui le distingue aujourd’hui, Fabian se construit à travers des étapes de vie singulières : le sport de haut niveau, la rigueur artisanale aux côtés des compagnons du devoir dans l’ébénisterie, et une maîtrise des métiers du second œuvre. Ces expériences variées l’initient à la précision, à la patience et au respect du matériau, des qualités essentielles pour devenir l’artiste accompli qu’il est aujourd’hui.

Très tôt, Fabian se fait remarquer dans le domaine de la rénovation et de la conception de projets architecturaux de réhabilitation. Les clients perçoivent en lui non seulement un talent, mais aussi un conseiller de confiance, capable de saisir leurs besoins pour façonner des espaces à la fois fonctionnels et esthétiques. Passionné d’architecture, de sculpture et d’esthétisme, il comprend l’importance de vivre dans un environnement harmonieux. À seulement 24 ans, il fonde sa propre entreprise, réalisant rapidement des projets de luxe. Cette entreprise devient le terreau de sa créativité, lui permettant d’expérimenter et de se perfectionner dans le travail de matériaux tels que le bois et le plâtre.

C'est au cours d'un projet chez un client que Fabian rencontre une révélation artistique : face à un arbre, il ressent une impulsion créative, une envie de transformer et de transcender la matière. Il se met à sculpter, à réassembler, à créer des courbes, donnant naissance à sa première œuvre d'art, qui est rapidement exposée. Ce moment marque un tournant décisif dans sa carrière. En 2023, en suivant cette nouvelle voie, Fabian réalise sa première pièce de puzzle, une œuvre profondément symbolique. Pour lui, le puzzle représente la société et la place que chaque individu doit y trouver. Chaque pièce est unique, comme chaque être humain, et le but ultime de l'existence est de découvrir sa juste place dans cet ensemble complexe. À travers ces œuvres Puzzle, Fabian aborde des thèmes universels tels que les relations humaines, la vie en société, la complémentarité, il parlera aussi « d’assemblage de parcours de vie ».

Fabian choisit le staff comme matériau de prédilection, en hommage à la noblesse des œuvres historiques telles que les rosaces qui ornent les monuments. Le staff lui offre un terrain de jeu idéal pour explorer les formes, s'attarder sur les détails et atteindre le niveau d'exigence qu’il s’impose. Enfermé dans son atelier, il se dévoue à sa pratique, perfectionnant sans cesse ses techniques. Après de nombreux essais, il découvre la peinture métal inverse, un produit qui sublime les transparences et enrichit ses œuvres d'une dimension presque mystique. Chaque création devient alors un défi technique et artistique, un jeu de formes et de textures où les idées fusent sans fin.

Fabian Delberghe est aujourd’hui reconnu pour sa capacité à fusionner savoir-faire traditionnel et créativité contemporaine, offrant des œuvres qui résonnent par leur profondeur et leur complexité. Son art nous invite à une réflexion sur la place de l’individu dans la société, et sur l’harmonie que chacun cherche, à sa manière, à atteindre.

 Presse du 13 mai 2025

Les mots de la galerie sur Fabian Delberghe

J’ai découvert le travail de Fabian via un ami, et j’ai immédiatement remarqué qu’il débordait de créativité et que sous des pièces très contemporaines se cachaient de grandes émotions. J’ai alors pris contact avec Fabian qui est venu me rencontrer afin de faire connaissance. Fabian Delberghe est une véritable pile, les idées fusent, les projets foisonnent et la passion est à fleur de peau. Son approche très directe et son enthousiasme m’ont donné envie de l’accompagner et nous avons très rapidement intégré ses sculptures en galerie.

Née en 1959 à Etterbeek, Chantal de Sutter est depuis son plus jeune âge attirée par l’art. Sa rencontre avec celui qui deviendra son époux, Robert de Sutter, sera un événement décisif dans sa vie. Passionnés tous deux par la sculpture, ils créent une fonderie d’art et réalisent à la cire perdue les œuvres des artistes. Il ne restait alors plus qu’un petit pas à faire pour travailler sur leurs créations artistiques. Chantal a exploré des univers très différents laissant aller son imaginaire vers l’enfance mais aussi vers la femme et sa féminité. Son travail a eu un tel succès que l’artiste n’a pu continuer son travail de fondeur et après 20 années à osciller entre fonderie et atelier, Chantal s’est exclusivement consacrée à ses créations artistiques. Présente dans les plus grandes galeries l’artiste bénéficie d’une belle notoriété.

Chantal de Sutter : Les mots de la galerie

Dans un premier temps j’ai découvert son univers enfantin, avec des ballons colorés, des enfants pointant leurs nez vers le ciel, des chevaux tout droit sortis de l’imaginaire. Chantal créait une ambiance féérique qui attirait les regards. Puis j’ai découvert au fil des années un nouveau travail tout aussi intéressant, des personnages, longilignes, raffinées et emprunts de sensibilité, qui mettent en exergue féminité et élégance.

Robert De Sutter, sculpteur Belge né en 1957 à Forest, fils de Clément De Sutter créateur de bijoux et fondeur à cire perdue et petit fils du peintre Ernest De Sutter, est tombé inévitablement dans le monde de l'art. Il suit des études aux arts et métiers de Bruxelles dans les années 70 et affine sa formation aux côtés de grands artistes tels que Rick Poot, Jef Vanturenhout, Pierre Caille, Olivier Leloux...et travaille différentes matières : le bronze, la pierre, la terre et la cire.

En 1977 il rencontre Chantal de Block et tous deux créent une fonderie d'art à cire perdue dans laquelle ils réalisent les oeuvres en Bronze de nombreux artistes. Après 20 ans de métier comme fondeurs, ils décident de ne se consacrer plus qu'à leurs créations personnelles. Stylés et affinés, les personnages de Robert affichent une grande sobriété. Les bronzes s'étirent et s'installent dans des pauses d'une rare élégance où la ligne et la courbe tiennent une place essentielle, coiffés de coquillage, oeuf d'autruche, de céramique de couleur qui ne manquent pas de souligner la beauté intrinsèque de son travail.

Robert de Sutter : Les mots de la galerie

Le travail de l'artiste nous a été présenté par un agent d'artiste. J'ai immédiatement été séduite par l'univers "irréel" de Robert. Des personnages aux silhouettes simplifiées, des attitudes simples, des corps en conversation. L'alliance bronze et céramique apporte douceur et sérénité, un univers atypique que nous souhaitions partager avec nos collectionneurs.

L’être humain est au cœur du travail d’Elisabeth Dupin-Sjöstedt. Ces corps étirés, aux formes suggérées, sont tantôt statiques, tantôt en mouvement. Les visages travaillés laissent transparaitre une personnalité mystérieuse.

L’artiste nous transporte dans différentes époques, passées ou futures, réelles ou fantasmées.
Le terre, faïence ou grès, permet à l’artiste de donner vie à ses personnages. Le tissu, le bois ou le sable viennent parfois se mêler à ces corps.
L’artiste, qui a étudié l'Histoire à la Sorbonne et l'Histoire de l'Art à l’Ecole du Louvre, remporte de nombreux prix et récompenses. Elisabeth propose une balade à travers des mondes singuliers, et nous donne envie d’en imaginer de nouveaux, peuplés de ses mystiques êtres.

« Comment aborder ce monde, sinon avec le corps que nous habitons. Grâce à lui, nous voyons, sentons, devinons cet univers multiple et magique. Les visages et les personnages que je réalise en terre, me permettent d’explorer davantage encore la matière, mais aussi son essence. Lorsque je travaille un visage, j’attends que quelqu’un apparaisse. Quand cela se produit, l’esprit et la matière se mêlent alors, et tout prend un sens. Là réside une dualité que je cherche à chaque fois à définir et à réunifier.

A travers cette quête, beaucoup de visages et de personnages se présentent. On ne peut définir ni le pays, ni l’époque auxquels ils appartiennent. Mais ils ont en commun cette humanité mystérieuse, mouvante, animée par l’invisible. » Elisabeth Dupin-Sjöstedt

Elisabeth Dupin-Sjöstedt : Les mots de la galerie

Nous allons vers les artistes mais ils viennent aussi vers nous. Elisabeth Dupin Sjöstedt est venue en galerie lors d’un séjour à Bordeaux. Elle s’est sentie dans son environnement et a passé du temps à découvrir le travail des autres artistes. Après quelques échanges elle m’a présenté son travail. Non seulement j’avais beaucoup apprécié la personne, mais la découverte du travail était toute aussi intéressante. La décision de travailler ensemble était une évidence. Elisabeth a un univers très doux, dans lequel nous nous sentons bien immédiatement. Des visages, des couples, réalisés en porcelaine, expriment une grande délicatesse. Elisabeth a apporté une touche de douceur dans la galerie et c’est toujours avec grand plaisir que nous découvrons ses nouvelles œuvres.

Béatrice Fernando a suivi des études en histoire de l'art avant de se consacrer entièrement à la sculpture. Le travail de la matière est chez elle un besoin vital de donner vie de ses mains. Ses oeuvres, aux identités singulières sont faites d'une nouvelle matière dont l'artiste a le secret. Ce mystérieux mélange, composé entre autres de grès, de sable et de céramique, permet à Béatrice de créer des sculptures souvent longilignes, à l'allure brute et aux traits expressifs.

L'artiste pose un regard perçant sur l'Homme et nous invite à sonder l'âme de ses oeuvres. Présente sur le marché de l'art contemporain, elle a exposé dans de nombreuses galeries. Béatrice Fernando a reçu en 2010 le diplôme de la médaille de Bronze des Arts, Sciences et lettres à Paris pour "Originalité de la matière". En 2011, le 13ème salon International de Pezenas lui remet la médaille d'or.

Béatrice Fernando : Les mots de la galerie

Béatrice Fernando m’a fait découvrir son univers il y a plusieurs années. A l’époque J’avais déjà été interpellée pour ses œuvres qui tournaient autour de la tauromachie. En 2016, je l’ai croisée sur un salon d’art avec de nouveaux sujets qui correspondaient davantage à nos orientations artistiques. Réservée et amicale, Béatrice a accepté notre proposition de collaboration et depuis nous avons le plaisir de représenter son travail. Béatrice a son univers mais aussi une technique mise au point, un matériau de sa composition. Ses sculptures ont une incroyable présence qui peut parfois être dérangeante. Béatrice fait partie de ces sculpteurs qui ne laissent pas indifférents.

Née en 1975 Bérénice Fourmy est depuis toujours attirée par l’art. Petite elle se souvient avoir été intriguée par les peintures médiévales sacrées de la petite église de son village, elle était comme hypnotisée. C’est donc tout naturellement, que quelques années plus tard, elle choisit d’entreprendre des études d’Histoire de l’Art et se spécialise dans les peintures murales médiévales. En 2002 elle publie un ouvrage intitulé « Voir et Croire, peintures murales médiévales en Touraine ».
Très manuelle, Bérénice aime travailler la pierre et tous matériaux qu’elle a à disposition, aussi c’est tout naturellement qu’elle entreprend en parallèle des cours du soir dans un atelier de céramique en Touraine puis dans les Vosges.
Peu à peu, la terre prend de plus en plus de place dans son quotidien jusqu’à ce qu’elle s’y consacre pleinement à partir de 2008.
Au début ce sont des visages qui apparaissent au milieu d’autres matériaux, Bérénice aime allier la terre à d’autres matières, elles s’enrichissent et se subliment tout en gardant la sobriété et la pureté des images sacrées qui ont nourri l’artiste dans sa jeunesse. La douceur des lignes et des sujets, traduisent une volonté d’aller à l’essentiel, la palette de couleurs est restreinte, la terre prédomine, le message apparaît. Depuis peu les corps ont pris forme et soutiennent l’expression singulière des visages marquée par l’étonnement, ils se perchent sur des supports en parfaite harmonie avec les personnages et viennent apporter encore plus de légèreté. Les sculptures de Bérénice Fourmy sont magnifiées par l’alliance de différents matériaux et par une simple patine de cire, s’affranchissant de l’émail afin de retourner à la vérité de la terre nue.
Marquée par son séjour de quelques années à Tahiti, Bérénice enrichit aujourd’hui ses œuvres d’éléments de la nature que lui offrent les îles (noix de coco, coquillages, coraux…) veillant toujours à garder la simplicité et l’authenticité de ces personnages.

Décourvir l'exposition 2024

Bérénice Fourmy : Les mots de la galerie

Bérénice m’a contactée début 2024 pour me présenter son travail. Dans un premier temps j’ai découvert les photos qui étaient jointes au mail et le coup de cœur a été immédiat. J’ai aimé la simplicité, la terre gardée dans son état naturel, la palette monochrome n’apportant aucune fioriture et le questionnement sous-jacent. Ces petits personnages perchés surplombant un monde qui suscite tant d’interrogations, semblaient parfois surpris, d’autres fois stupéfaits, ou encore inquiets mais toujours enveloppés d’une grande douceur et de bienveillance. Nous avons alors échangé de vive voix et j’ai apprécié l’énergie qui se dégageait de l’artiste, son travail lui ressemblait. Je suis ravie de partager avec vous ce joli coup de cœur qui à n’en pas douter ira aussi attiser vos émotions.

Au départ une attirance vitale pour la terre. Anne Guerrin, fille d'agriculteur, touche la terre depuis son enfance, la respire, la triture, un besoin vital qui n'a cessé de l'habiter. Après plusieurs déménagements c'est dans le superbe écrin du parc naturel du haut Languedoc, là où les éléments naturels expriment leur force et sont propices à la création qu'elle décide de se poser et d’installer son atelier.
Les « Sages » sont des êtres universels qui ont traversé le temps, il y a en eux quelque chose qui est de l'ordre de la mémoire ancestrale. Ils sont nés du cheminement d'une vie, d'un intérêt pour le sacré, celui-ci se manifestant sous plusieurs formes, rites, symboles, mythes, lectures... l'observation de l'homme placé au centre de tout. Ceux qui portent des jupes ou robes à travers le monde et qui attirent son attention sont les religieux mais aussi certains danseurs de butô.

Anne Guerrin : Les mots de la galerie

J’ai rencontré Anne en 2014, elle avait alors des engagements qui, malgré l’intérêt que j’ai immédiatement porté à son travail, ne nous ont pas permis, à cette époque, de collaborer. Fin 2019 l’artiste, libérée de ses engagements, reprend contact avec un travail qui s’affirme, des personnages encore plus charismatiques, un univers qui me séduit.
Les œuvres parlent de ruptures, de spiritualité, de transversalité, une approche qui me séduit.

Giorgio Laveri, est un artiste italien déjà présent dans de nombreux musées, consécration de plus de 45 ans de vie artistique. Giorgio est né en 1950 à Savone. Acteur, assistant plateau, metteur en scène, il réalise son premier film en 1978. Giorgio Laveri est un passionné qui a toujours donné sans compter. Généreux, l'humain reste sa priorité. Très jeune il a découvert la céramique par l'un des maîtres de la discipline : Lucio Fontana qui l'initia à ce qui deviendra sa grande passion.
Giorgio garde de cette période de sa vie un magnifique souvenir, marcher sur les traces des grands maîtres, s'en nourrir et leur rendre hommage, rien de plus beau pour l'artiste.
Giorgio reste l'artiste pluridisciplinaire de ses débuts, il enchaine le cinéma, le théâtre, la peinture, la céramique. Depuis 1974 il a écrit et réalisé 11 films et plus 19 pièces de théâtre dont le "Mariage Bet" lauréat du Prix de la critique au "Cinéma à domicile" du festival de Rome.

En 1990, il va plus loin dans sa recherche en créant sa première pièce de théâtre sur le thème "Céramique-lumière-mouvement", dans laquelle "des acteurs et de la céramique interagissent sur la scène sur une chorégraphie lumineuse".

En 1993, il adhère au groupe français Art mobil avec lequel il projette une série d'événements en Italie et en France, comme la signature avec Patrick Moya et Véronique Champollion du Manifeste du Mouvement Artistique Méditerranée, toujours en évolution.

En 1996, il fonde le département de la santé mentale de Gênes, "II Giardino del Mago" avec lequel il produit une série d'œuvres liées au théâtre et au cinéma expérimental.

Au total c'est plus de 200 manifestations organisées entre cinéma, théâtre, spectacles et expositions.

En 2017 l'Italie lui rend hommage avec une exposition d'une envergure exceptionnelle.

Giorgio Laverie : Les mots de la galerie

J'ai découvert "Le rouge à lèvres" de Giorgio Laveri sur un salon à Paris en 2012, Ce travail remarquable, cachait un artiste d'une grande sensibilité au parcours atypique. J'ai rencontré Giogio quelques heures plus tard sur stand et suis repartie avec ses œuvres. Cette confiance donnée spontanément m'a beaucoup touchée. Quelques années nous ont permis de mieux nous connaitre et de trouver toujours autant de plaisir à travailler ensemble. Giorgio propose des œuvres contemporaines, des objets de la vie qui reprennent sens et vie entre ses mains.

Exposition 2022

Mirogi a exercé comme kinésithérapeute et ostéopathe ce qui lui a permis de parfaire ses connaissances de l'anatomie. Un concours de circonstances incroyable allait modifier son parcours lorsqu'elle découvre en 1999 l'atelier d'Annick Aublet. Mirogi travaille alors jours et nuits pour retranscrire des années d'expérience comme kiné. Le corps, elle le maîtrise, reste à lâcher prise et à se laisser aller à sa perception de la féminité.
L'artiste travaille à partir de modèles vivants dans l'atelier et a pour habitude de finir les pièces chez elle, en particulier les mains et les visages qui demandent beaucoup de minutie.
Mirogi réalise des oeuvres abouties où les patines retranscrivent parfaitement les jeux de lumière sur les corps. Mirogi est une artiste au style affirmé ,exposée dans les plus grandes galeries. Nombre de ses bronzes ont intégré de belles collections en France et à l'étranger.

Mirogi : Les mots de la galerie

Les sculptures de Mirogi m'ont été présentées par un agent d'artiste. Outre l'aspect esthétique de son travail, j'ai apprécié les postures et la connaissance du corps. Les oeuvres de Mirogi sont atemporelles, on ressent pleinement toute la féminité de ses sujets et leur fragilité. Par la suite j'ai eu le plaisir de rencontrer l'artiste et de partager avec elle sur son travail, une belle rencontre qui ne fait que confirmer le ressenti que l'on a devant ses oeuvres.

 

Philippe : Sutter : Les mots de la galerie

Claudia Zanaga – Sculptrice contemporaine de la métamorphose et du vivant

Née à Padoue en 1993, Claudia Zanaga s'impose aujourd'hui comme l'une des jeunes voix prometteuses de la sculpture contemporaine européenne. Formée à l'Académie des Beaux-Arts de Venise puis diplômée d'un Master en Sculpture à l'Académie des Beaux-Arts de Carrare en 2021, elle développe une œuvre profondément ancrée dans la tradition de la taille de la pierre tout en portant un regard résolument contemporain sur les grands enjeux de notre époque.

Installée à Carrara, territoire emblématique de la sculpture, Claudia Zanaga entretient avec la pierre une relation intime qui dépasse la seule maîtrise technique. Le marbre, l'albâtre et les matériaux minéraux deviennent sous son geste les vecteurs d'une réflexion sur la condition humaine, les transformations du vivant et les mutations sociétales. Son travail s'inscrit dans une recherche où la matière conserve sa mémoire propre tout en accueillant de nouvelles formes narratives et symboliques.

L'univers de Claudia Zanaga se construit autour de notions telles que l'identité, la migration, la métamorphose et l'appartenance. Ses sculptures évoquent des présences ambiguës, souvent situées à la frontière du réel et de l'imaginaire. Elles traduisent les questionnements d'une génération confrontée aux bouleversements environnementaux, culturels et sociaux du XXIe siècle. À travers des formes poétiques et intemporelles, l'artiste interroge les liens qui unissent l'être humain à son environnement et aux autres formes du vivant.

La dimension anthropologique occupe une place essentielle dans sa démarche. Actuellement engagée dans des études d'anthropologie culturelle à l'Université Ca' Foscari de Venise, Claudia Zanaga nourrit sa pratique artistique d'une réflexion approfondie sur les mécanismes de transmission, les héritages collectifs et les transformations des sociétés contemporaines. Cette approche se retrouve dans des œuvres qui dépassent la simple représentation pour devenir des espaces de réflexion et de dialogue.

L'artiste développe également une vision singulière du rapport entre l'humain et le post-humain. Ses créations mettent souvent en scène des formes en devenir, des figures traversées par des processus de transformation ou d'adaptation. Sans jamais verser dans l'illustration littérale, elle imagine des récits sculptés où la fragilité et la résilience coexistent. Ces œuvres témoignent d'une attention particulière portée aux capacités d'évolution, de renouvellement et de renaissance qui caractérisent les êtres vivants.

La reconnaissance de son travail s'est construite rapidement à l'échelle internationale. Depuis plusieurs années, Claudia Zanaga participe à de nombreux symposiums de sculpture, résidences artistiques et expositions en Europe et au-delà. Son parcours l'a conduite en France, en Espagne, en Suisse, en Allemagne, en Croatie, en Turquie, en Égypte ou encore au Luxembourg. Cette dimension internationale nourrit son regard et enrichit une pratique fondée sur l'échange, la rencontre et l'ouverture aux différentes cultures.

Récompensée dès le début de sa carrière lors de concours dédiés à la sculpture, elle poursuit aujourd'hui une recherche artistique exigeante qui conjugue excellence technique et profondeur conceptuelle. Sa maîtrise de la taille directe révèle une connaissance approfondie des matériaux, tandis que la sensibilité de son langage formel lui permet d'aborder des sujets universels avec une rare délicatesse.

À travers ses sculptures, Claudia Zanaga invite le spectateur à ralentir, à observer et à interroger sa propre relation au temps, à la mémoire et au vivant. Son œuvre se distingue par une alliance remarquable entre tradition sculpturale italienne et préoccupations contemporaines. Elle témoigne de la capacité de la sculpture à demeurer un médium essentiel pour penser notre monde et imaginer ses possibles transformations.

Présentée par la Galerie Bouillon d'Art à Bordeaux, Claudia Zanaga incarne une nouvelle génération d'artistes pour lesquels la sculpture demeure un territoire d'exploration, de poésie et de réflexion sur l'avenir de l'humanité.