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Les peintres
AMEY
Née en 1968, Amey est une artiste peintre française. Issue d'un parcours atypique, Amey poursuit depuis de nombreuses années son travail artistique mais ce n'est que plus tardivement qu'elle décide de s'y consacrer pleinement. Dans un premier temps elle travaille sur l'architecture de lieux désaffectés, de vieilles coques de bateaux, de ports industriels s'intéressant au passé de ces espaces de vie aujourd'hui délaissés. Elle reviendra sur cette thématique quelques années plus tard avec un travail proche du street-art, des œuvres réalisées sur toile rouillée. Mais l'artiste ne s'arrête pas là elle explore des sujets plus actuels comme New-York, Saint Pétersbourg, Istanbul en proposant des œuvres en lien avec le recueillement. Toujours passionnée par l'humain elle nous livrera une série sur les geishas mettant en opposition les cultures et les techniques.
Les mots de la galerie
Ce qui nous a séduit dans le travail d’Amey, c’est la force qui se dégage de chaque toile, un univers qui parle de l’humain, sans pour autant le montrer. Amey ne se définit pas elle-même comme une artiste, elle préfère dire qu’elle peint ses émotions, le couteau a remplacé la plume et la toile le papier. Amey peint souvent en réaction à des événements, elle peut donc varier les sujets même si son terrain de prédilection reste l’architecture. C’est ce travail même qui nous a conduit à la représenter. Ses oeuvres lui ressemblent, peu de mots mais l’essentiel est dit.
ANNEVILLE CONSTANCE...
Tout a commencé par le street art. Né en 1978 Fabrice Annevile Constance a toujours été attiré par le dessin., Jeune adolescent investissant les rues de ses graffitis, Fabrice Anneville a commencé par parler de lui, de sa vie, en développant une identité artistique influencée par Keith Haring, Michel Basquiat, Robert Combas ou Hervé Di Rossa. De la rue à la toile, l’artiste a fait évoluer ses sujets en travaillant sur sa représentation de la société. Fabrice Anneville, par des formes rondes entrelacées et complexes, défend une peinture réjouissante, libre et décontractée. L’artiste a une palette de couleurs bien identifiable où la violence des couleurs et la volonté figurative renforcent l’appartenance à la « Figuration Libre ».
Le support bois pour des créations en volume accentue son écriture artistique déjà bien marquée. L’artiste dompte les formes, maîtrise les couleurs mais laisse une totale liberté à l’interprétation du sujet, une œuvre colorée, dynamique qui séduit.
Les mots de la galerie
Fabrice Anneville Constance est venu directement présenter son travail en galerie. Un artiste ouvert, à l’écoute et simple qui parle avec passion de sa peinture. Séduite pes la construction des œuvres et l’écriture artistique de Fabrice j’ai accepté immédiatement de représenter son travail et de participer ainsi à faire connaitre ses œuvres. Attirée par le Street art il ne manquait plus que la rencontre pour ouvrir une autre facette de ma sensibilité artistique.
P.BROSSEAU Raoul
Raoul P. Brosseau est breton. Peut-être l’aviez-vous deviné ? Certainement, les bretons ont cette capacité à parler de ce qui leur est essentiel, l’océan. Ils vivent avec l’eau, ne forment qu’un avec les éléments, se fondent dans le milieu aquatique. Raoul P.Brosseau en a hérité un caractère fort et avec l’océan Atlantique en toile de fond, il peint des souvenirs d’enfance sur des plages bordées de pins. Les nageurs réécrivent l’histoire, mentant un peu parfois pour la rendre plus belle qu’elle ne fut.
« L’eau est un élément où l’on s’oublie, où l’on disparait. Lorsque l’on se baigne, on n’est plus seulement soi mais un tout avec elle. Le temps n’existe plus. Et quand on en sort reste ce petit sourire mystérieux, à la fois désabusé et satisfait qu’arborent mes nageurs. »
Alors si Raoul P. Brosseau nage depuis toujours, il peint également depuis sa plus tendre enfance. Des dessins puis des toiles mais cela reste un plaisir des heures perdues. Raoul devient enseignant, libraire, journaliste, attaché de presse, fait de la communication, joue du ukulélé dans un groupe, écrit des chroniques polar… Une vie littéraire et artistique bien remplies, puis des rencontres encourageantes lui permettent de participer à de premières expositions. L’artiste imagera ce passage comme suit « comme on saute d’un plongeoir un peu trop haut, pour s’apercevoir ravi, que tout se passe bien » l’artiste se consacre alors pleinement à la peinture qui l’a accompagné toute sa vie.
Son travail gravite autour des techniques mixtes, de l’acrylique. Un mélange d’aplats et de reliefs, de couleurs vives ou grisés. Le contraste est une des clefs de son expression, comme un décalage auquel on ne s’attend pas.
Aujourd’hui, depuis moins de dix ans, Raoul P. Brosseau a participé à de nombreuses manifestations artistiques, a exposé dans plusieurs galeries notamment dans l’ouest de la France.
Et Raoul P. Brosseau est heureux.
Les mots de la galerie
Raoul P.Brosseau m’a contactée par mail pendant la période de confinement, un moment propice pour réfléchir et s’élancer vers de nouveaux projets. J’ai découvert avec beaucoup de plaisir son élément, son univers et cette perplexité naissante devant ses œuvres. J’ai beaucoup aimé mais je n’ai pas donné de réponse immédiate la période n’étant pas réellement favorable à l’intégration d’un nouvel artiste. Une semaine plus tard Raoul P.Brosseau me téléphonait, j’ai ressenti une joie de vivre, un parcours complet et complexe et une réel désir d’établir une relation de confiance. La décision s’est prise immédiatement et malgré cette période qui nous clouait à la maison, nous avons souhaité débuter sans tarder cette nouvelle collaboration en attendant de pouvoir se rencontrer.
CAPTON
Après des études à l’Ecole des Beaux-Arts d’Orléans, CAPTON s’est consacré à son art à partir de 1987, et dès 1991 à l’enseignement des arts plastiques. En 2003, il a cessé d’enseigner pour peindre à temps complet. Peintre animalier, portraitiste de taureaux et de vaches, CAPTON se consacre aussi au nu masculin.
CAPTON est un artiste engagé, un peintre exigeant et passionné. Il revendique pleinement l’héritage des anciens maîtres et leur idéal esthétique. Artiste de la Nouvelle Renaissance, la beauté et l’émotion qu’elle procure est au cœur de sa création.
Son travail fait souvent référence à l'univers de la ruralité dans laquelle il puise l'inspiration. Les œuvres de CAPTON évoquent ses questionnements quant à la compétence et la légitimité de l'Homme dans la gestion du monde.
Omniprésente, la question de la « domination » et de ses dérives, rejaillit de manière récurrente dans le travail de Capton. Domination de l’homme sur l’homme, domination de l’homme sur la nature et de sa destruction programmée. L’artiste interroge, nous met en garde contre ces comportements abusifs, destruction par l’homme de son environnement. Un cri d’alarme destiné à nous faire réfléchir et à changer nos comportements.
Le thème de « la nature sacrifié » pointe notre responsabilité sur le devenir de la planète et par des représentations provoquantes, l’artiste nous invite à mener une réflexion active.
Les mots de la galerie :
Notre rencontre avec les oeuvres de Capton date de plusieurs années, interpelées par son travail et les rapports de force et de domination qu'il dénonce nous avions immédiatement réagi. Une rencontre en galerie en 2016 nous a permis de mieux appréhender le travail et l'artiste pour finalement envisager une collaboration qui a pris forme en 2017 avec les Hommes-Taureaux. En 2018 nous introduisons en galerie son travail sur "la nature sacrifiée", un sujet qui nous tient à coeur et fin 2019 son travail animalier. CAPTON rejoint les artistes engagés de la galerie et nous offre un regard que nous n'avions pas encore montré.
CLAIRE & SIRI
Claire et Siri sont deux artistes, l’une Française, l’autre Norvégienne, qui peignent à quatre mains depuis bientôt dix ans. La spécificité de leur travail est le mélange de deux perceptions face au monde végétal. Cette complémentarité est leur signature.
Leur thématique de prédilection est « l’arbre », symbole commun à toutes les cultures et à leur mixité. La série « Racines » exprime la force de la nature par les oppositions de matière entre la rugosité du tronc de l’arbre et la légèreté de son feuillage.
Leurs oeuvres leur permettent d’exprimer leur émerveillement sans fin face à la multitude de des teintes.
" L’« Homme de Vitruve » structure nos toiles. Matière, couleurs et équilibre de nos arbres nous fournissent l’occasion de nous interroger sur nos propres racines et la place de l’homme dans le monde".
Claire et Siri espèrent ainsi contribuer à définir le sens de la VIE dans la conscience collective.
Les mots de la galerie
Le travail de ces deux artistes est un émerveillement constant devant un environnement qui parfois échappe à notre regard. La nature reprend sa place et le travail à 4 mains apporte cette complémentarité. J'ai particulièrement aimé cette approche de duo et ce partage au sens premier de l'art.
EYMANN Florian
Florian Eymann, artiste français autodidacte né 1980, a commencé par explorer l’univers de la musique pendant plusieurs années avant de s’exercer à l’art pictural pour lequel il est maintenant reconnu en France et à l’international. Florian est identifiable par ses peintures à l'huile où il explore des thèmes sombres et expérimente la forme et le contenu en déstructurant et en réinterprétant des visages et des expressions du portrait traditionnel. S'inspirant de la lumière du Caravage, des déformations de Bacon, de la liberté de vue de Picasso et bien d’autres ; Eymann a développé une méthodologie gestuelle particulière. En fusionnant formes et couleurs vives, l'artiste dépeint délibérément une impression constante de construction / destruction. Son travail fait découvrir au spectateur que les standards de représentation peuvent transcender en incorporant stratégiquement des touches abstraites de peinture qui camouflent partiellement l'œuvre et laissent ainsi errer l'imagination
Les mots de la galerieJ’ai découvert le travail de Florian sur les réseaux sociaux. Ce qui m’a immédiatement frappée c’est cette référence aux grands artistes sans pour autant s’y référer. Une grande liberté d’interprétation, une construction constante évolutive qui jamais ne trouve sa forme définitive, proche de ce précipice qu’est le chaos jamais l’artiste ne basculer dans l’abime. Nous avons échangé à plusieurs reprises mais Florian happé par le marché américain ne pouvait être représenté en France. Le confinement aura finalement servi la galerie puisque l’artiste nous a confié sa représentation sur Bordeaux
FERREIRA David
Ancien géomètre ayant refoulé son énergie créatrice, David Ferreira sut prendre le risque de se consacrer exclusivement à son art, la peinture, qu'il pratique en autodidacte. Le succès grandissant de l'oeuvre chaotique d'un artiste peinant à se contenir, permit à David Ferreira de se consacrer exclusivement à la pratique de la peinture, d'une acrylique dense et fluorescente.
Levi Dos Santos lui même écrit :"Ferreira est un fulgurant, sans repères ni idoles. (...) Sa production en somme, ce n'est pas de la peinture, c'est un jaillissement maîtrisé." Ainsi on peut considérer l'instinct pictural de Ferreira comme un point de départ de sa création. D'une spontanéïté totale, David Ferreira ne fréquenta aucune école d'art, et cependant sa peinture ne souffre pas d'absences académiques. Sa structure particulière se noue à la rigueur de son esprit mathématique dont l'influence sur son oeuvre picturale n'est pas négligeable : Signes, équations insolubles ou figures géométriques ponctuent ses toiles, entrent en tension avec la luminosité quasi éléctrique des couleurs et des courbes.
David Ferreira joue avec la truelle, le compas, le pied à coulisse, utilise des matériaux divers en supports, surplus, ou signaux qui l'aident à se renouveler tout en conservant dans sa démarche artistique une cohérence réelle. Ainsi, l'amateur d'art n'a aucune difficulté à percevoir la continuité esthétique des différentes séries d'oeuvres telles que "Crayonnade", "Codes barres", "Toto et sa femme" ou "Wharolizé" par exemple.
"Une peinture sensorielle, sensuelle, une bavure...une peinture qui déborde", voilà ce que propose l'artiste dont l'oeuvre dynamique et dense ne laisse pas l'oeil indifférent.
Les mots de la galerie
Nous avons découvert son travail en 2010. Intriguée, parfois perplexe, attirée mais encore trop interrogative ce n’est que quelques années plus tard que David a rejoint nos artistes. Un univers que je devais découvrir, un artiste que je devais rencontrer. David nous emmène dans un monde naïf, gai, coloré, il ne joue pas à l’artiste, il est Artiste. D’une imagination sans limite, tout sujet, toute situation, est source de création. David, une personne incroyablement en accord avec ses œuvres, j’étais conquise. Depuis 2014 nous avons appris à nous connaître et une belle collaboration est née. David Ferreira a immédiatement été accepté par les Bordelais. Dans un cabinet médical, une entreprise, dans un hall d’entrée, un salon, une cuisine, David a investi l’espace apportant avec lui sa bonne humeur. En 2018 David Ferreira devient l’artiste porteur des valeurs de la « Compagnie Fiduciaire » à Bordeaux. Il réalisera une œuvre de 8x5m pour le siège social de cette dernière qui ouvrira prochaine à Bordeaux. Un challenge ? oui, David adore ça ! mais aussi une belle collaboration avec l’entreprise, une œuvre qui fera parler d’elle.
FISCHER Jean-Christophe
Né en 1971 à Saint Dizier en haute Marne, Jean Christophe Fischer se passionne pour la peinture dès son plus jeune âge. Ne trouvant pas la profondeur d'âme qu'il recherche, à 20 ans, il arrête la peinture et se tourne vers la musique, la danse. Jean Christophe devient alors percussionniste et travaille pendant une dizaine d'année avec de grands maîtres.
"François Kokelaere m'a fait gagner 20 ans de recherche, je lui dois beaucoup."
Plus de 10 années d'observation, de rencontres lui permettront de murir sa peinture, de puiser dans la vie des réalités obscures, de ressentir au plus profond de lui même des sentiments altruistes dont il prend totalement conscience. L'artiste reprend enfin ses pinceaux et se cherche dans l'abstrait...mais, à sa grande surprise, c'est l'humain qui apparaît.
"Je n'ai rien vu venir, ce fut une découverte, la matière m'a fait toucher ma raisonnance profonde. Alors, comme une analyse insidieuse, je suis parti à ma rencontre...il faut que j'explore tout ça..."
L'homme devient son sujet de prédilection. Miroir de l'âme, sa peinture dévoile une humanité pleine de doutes, d'interrogations, d'incertitudes...le visage qui apparait sur la toile exprime toute la solitude de l'être humain, ses douleurs, ses angoisses. D'hier ou d'aujourd'hui ces visages multiples pourraient être ceux de demain. Tous ces yeux nous scrutent, nous suivent, nous pénètrent et nous les entendons encore en nous éloignant. C'est assourdissant de vérité et troublant.
Les mots de la galerie
Avant même la création de la galerie j’étais irrémédiablement attirée par les œuvres de Jean-Christophe Fischer. Ma première « rencontre » artistique s’est faite via un magasine d’art, je ne pouvais détacher mon regard de ces yeux qui me scrutaient !!! dérangeant, certes mais tellement captivant. En 2013 je me décide et le contact pour lui proposer une collaboration, sans vraiment penser qu’il accepterait, nous étions une jeune galerie et lui bénéficiait déjà d’une belle représentation et d’une excellente notoriété. Son « oui » a été pour moi un cadeau inattendu, j’allais enfin avoir la possibilité de partager ce coup de cœur, de représenter son travail. Depuis 2014 je vous fais découvrir son univers et vous invite à le suivre dans sa création. Jean-Christophe est une personne engagée qui privilégie les rapports humains, un point commun qui nous relie et nous conforte dans notre collaboration.
HALFTERMEYER Hellen
Née en 1980 à Lille, Hellen Halftermeyer n'a pas envisagé de prime abord le partage de son travail d'artiste, comme si le simple fait de vivre sa Vie était en soi un acte artistique bien assez échevelé et souvent anticonformiste.Il y a peu, le déclic, faire Art de vivre ne suffit plus, elle concentre desormais son énergie créative à la réalisation d'oeuvres sensibles dans lesquelles la figure humaine est prééminente.
Peu importe le média, on retrouve une proximité dans sa manière de peindre et de sculpter. De la déconstruction expressionniste des codes académiques, forcenée parfois,émanent la tension, l'émotion.
Les mots de la galerie
Nous avons découvert les peintures d'Hellen Halftermeyer en 2017. L'émotion suscitée était telle que nous avons rapidement pris contact avec l'artiste. Des échanges intéressants, une approche très personnelle de la peinture, nous ont convaincues de présenter son travail en galerie. Une première rencontre avec l'artiste, suivie quelques mois plus tard d'une proposition artistique, donnaient du sens à notre future collaboration. En avril 2018, les premières toiles d'Hellen arrivent, un véritable plaisir que de découvrir ces oeuvres d'une sensibilté extrème. Hellen rejoint les artistes de la galerie et apporte une touche féminine, mystérieuse, profonde, au travail intense déjà présenté en galerie.
En parfaite harmonie avec l'esprit de la galerie nous suivons son travail avec beaucoup d'intérêt.
Michel Lagrange écrira un poème "Elle mystérieuse" inspiré par une oeuvre d'Hellen
"Apparition passage entre-deux de la vie
Univers émouvant
De vitrail spirituel
Sans les cloisons d’un plomb de bas étage
En ce grand rêve océanique
Une impression de femme
Évanescente
Émerge ..."
HAUTON Ewa
Délicat, vibrant, puissant, le travail d'Ewa Hauton ne peut laisser indifférent.
Née en Pologne, où elle étudie les Beaux Arts, Ewa Hauton arrive en France en 1990. Elle gagne le prix "Les étoiles de la peinture" dès la première année.Après l'obtention d'un diplôme de Directeur Artistique en Publicité, elle commence une activité de graphiste, plasticienne, et scénographe, en parallèle de la peinture et de la sculpture.
Depuis plus de 10 ans, elle se consacre uniquement à la peinture. Sa rencontre avec une chorégraphe déterminera l'orientation de ses œuvres vers le mouvement, comme représentation profonde de vie.
Le corps, surtout féminin, est au cœur de son travail. Entre encre et peinture à l'huile, Ewa se débarrasse des matières et des formes superflues. Elle donne vie au mouvement, avec justesse et habileté.
Sur ses travaux à l'encre, une touche de couleur vient percer le noir et blanc, comme un jet de vie qui nous ramène vers l'essentiel. Les grands formats lui permettent une liberté de geste qui contribue à l'éclosion de son œuvre, mêlant peinture et dessin.
Les œuvres d'Ewa, comme des mirages oscillants, nous touchent d'une sensibilité subtile, et nous laissent fascinés devant tant de transparence.
Les mots de la galerie
Nous avons découvert les peintures d’Ewa Hauton par l’intermédiaire d’un confrère en 2016. Interpelées par son « geste » nous avons commencé à suivre son travail et avons eu le plaisir de faire sa première exposition en juin 2016 suite à de nombreux échanges. En 2018 j’ai eu le plaisir de faire enfin sa connaissance et j’ai pu apprécier sa générosité, son empathie et sa gentillesse. Ewa correspondait en tous points à ce que je ressentais devant une de ses œuvres. Libre, curieuse, ouverte elle ne cesse de parfaire son travail artistique. Abstraction, figuration, mouvement, Ewa a su se créer une identité artistique reconnaissable.
LAMY Henri
Peintre français né en 1985, Henri LAMY interpelle par la spontanéïté de son oeuvre. Des visages et des scènes de vie colorés, traités au couteau, Henri maîtrise la technique et se laisse guider par ses émotions.
Influencé par Yan Pei Ming et Lucian Freud, Henri LAMY s'initie au "dripping" et affine son identité. De l'abstrait au figuratif, il existe un espace qu'Henri investit avec subtilité. L'artiste fait ses premières expositions en France dès 2006 et voyage de plus en plus régulièrement vers l'Asie où il réalise des résidences et des expositions de renom qui lui confèrent une réelle reconnaissance du monde artistique.
Très présent sur le marché asiatique, Henri se saisit de ces influences pour nous présenter un travail pluriculturel. Après sa participation à la Japan Expo à Yokohama, l'artiste a poursuivi par des expositions à Nanjing, Beijing, Tokyo, New York, Honk Kong, Singapore, Manille et dernièrement Bangkok.
Expositions
2017
- Artiste permanent, Bouillon d'art, Bordeaux, France
– Ugnayan sa Poblacion, programme de résidence artistique, Taverne Gutenberg & ZHostel Manila, Philippines
– Power, exposition personnelle, Qube Gallery, Cebu, Philippines
– Figurations Nouvelles, exposition collective, 59 Rivoli Gallery, Paris, France
– Dans quel état j'erre, exposition collective, Taverne Gutenberg, Lyon, France
2016
- Artiste permanent, Bouillon d'art, Bordeaux, France
– Charity Live Painting, Bergonié Foundation, Bordeaux, France with Bouillon d'art Art gallery
– exposition personnelle & performance peinture/Capoeira, SYP, Tokyo, Japan
– exposition personnelle & performance peinture/Capoeira, Zava Gallery, Tokyo, Japan
2015
– exposition personnelle, Le Petit Bateau, Sydney, Australia
– Co-fondateur résidence Taverne Gutenberg, Lyon, France
– Visages d’ailleurs, Bouillon d’Art Gallery, Bordeaux, France
– Malasimbo Music and Arts festival, Puerto Galera, Philippines
2014
– 100ECS exposition collective, 123 Daumesnil Gallery, Paris, France
– Résidence artistique, Montceaux-les-Mines, France
– Hope, exposition personnelle, Modern Gallery, Bangkok, Thailand
– Art’s Vice exposition collective, Lyon, France
– Malasimbo Music and Arts festival, Puerto Galera, Philippines
– Résidence artistique, Le Cent, Paris, France
– Enseignement du dessin, Orphanage House, Sao Paulo, Brazil
– La Désœuvre, exposition collective, Starter Gallery, Neuilly-sur-Seine, France
2013
– Jimmy Cliff & Joss Stone Portrait officiel, Manila, Philippines
– Auction, Little sisters of the poor, San Francisco, USA
– Wanderlust exposition personnelle, Altromondo Gallery, Manila, Philippines
– Vue Privée, Singapore
– Résidence artistique, Hôtel de Gallifet Art Center, Aix-en-Provence, France
– Résidence artistique, Fei Gallery (Cao Chang Di), Beijing, China
2012
– exposition collective, Galerie Modus, France, France
– exposition personnelle, Galerie Saint Charles, Lyon, France
– Lille Art Fair, Galerie Saint Charles, Lille, France
– A Fool’s War, exposition personnelle, Coral Contemporary, Nanjing, China
2011
– Art Auction (by Henri Anton), Westminster Hotel, le Touquet, France
– exposition personnelle at Galerie Flateurville, Paris, France
– Sélectionné pour participer à 59 Rivoli, Résidence artistique à Paris, France
2010
– Exposition, Art Up Déco, Paris
– exposition collective, Maille Store, Paris
2009
– exposition personnelle at Galerie LeHalle, Paris, France
MANAT
Né au début des années 90 dans une des familles biparentales de la Marne, Manat s'intéresse dès son plus jeune âge aux ambiances sonores et aux percussions brésiliennes.Il monte son premier groupe de Black Métal (Extrême Daniel Radcliffe Band) à l'âge de 15 ans et obtient dans la foulée son diplôme du conservatoire de Reims, spécialité batterie.Le groupe connut un certain succès grâce des performances énergiques sur scène, et, pendant 10 ans il parcourra la France, courant les bars undergrounds et les festivals nationaux.Mais à la suite d'un malaise cardio-vasculaire provoqué par l'absorption d'une grande quantité d'aspirine, Manat décide de tourner définitivement la page "Rock ‘n Roll" de sa vie.Il change définitivement de rythme de vie et loue un atelier dans l'ouest de Montpellier pour se consacrer entièrement à sa nouvelle passion créative, la peinture. Véritable choc émotionnel il décidera d'en faire son métier en autodidacte.Manat vit et travaille toujours dans le sud de la France avec cette lumière si particulière et tant appréciée des artistes peintres.Son œuvre rencontre un franc succès, reconnaissable à ses portraits de singes humanisés sur des fonds abstraits, abordant les thématiques rock/tattoos de sa jeunesse, et d'autres univers plus classiques sur divers supports.La précision et la finesse du trait s'expliquent principalement par ses pinceaux, fabriqués sur mesure en poils de Shih-tzu.Quand on lui pose la question : "Est ce que la sémantique de votre travail s'émancipe constamment d'une analyse académique, voire d'un rejet primordial de la limite qui sous-tend votre œuvre ?"Il répond "Oui" en toute simplicité, car c'est un homme simple avant tout.
Les mots de la galerieJ’ai découvert les oeuvres de manat sur le net, amusée et interpelée par ce travail qui met en exergue des comportements et attitudes humaines avec des singes et gorilles, nous avons pris contact et échangé puis nous nous sommes rencontrés. J’ai découvert un artiste qui prend un réel plaisir à explorer et à provoquer par le biais de sa création. Manat ne se prend pas au sérieux il est dans l’amusement et le plaisir, ce qui a fini de me convaincre, si toutefois j’avais encore besoin de l’être.
MARCEL Pascal
L’émotion est au cœur du travail de Pascal Marcel. Ses toiles ne mentent pas, mais agissent comme un miroir où nous sommes libres d’ajouter notre propre histoire et notre vécu. L’artiste retranscrit sans filtre et avec une honnêteté touchante, des scènes de vies vraies. Sous ses doigts, la banalité quotidienne devient une ode à la vie et à la joie. Ainsi, l’Homme est au centre de ses œuvres, et Pascal "peint avec une admirable tendresse les gueules de la nuit, les blessés de la vie, les paumés des petits matins mais aussi l’allégresse de l’enfance et les petits bonheurs simples du quotidien ". La couleur, contrebalance profondément avec la stoïcité des personnages. Elle donne une autre dimension à l’œuvre, et à l’émotion qu’elle suscite en nous. Pascal Marcel se révèle être un véritable poète pictural. Représentant l’humain et l’humanité, il parvient sans difficulté à transmettre de multiples émotions universelles.
Né en 1964 à Montélimar, Pascal Marcel est un autodidacte. Il commence ses premières expositions en 1980. C’est en 1993 qu’il décide de se consacrer entièrement à la peinture et se dirige vers un travail abstrait. Il se consacre définitivement au figuratif durant son séjour de 5 ans au Mexique, où il participe à de nombreuses expositions. Il en reviendra avec plein de couleurs vives et chaleureuses.
Les mots de la galerie
J'ai découvert les œuvres de Pascal marcel il y a quelques années sur un salon. La palette extraordinaire de couleurs retient l'attention, puis la magie opère. Une grande sensibilité, des scènes de vie du quotidien, de la tendresse, de la curiosité, tout se mêle en nous et le regard continue de se perdre dans l'œuvre.
Il aura fallu plus de 6 années pour que nous puissions enfin nous rencontrer et vous faire découvrir son travail.
Sincère et d'une grande gentillesse, l'artiste nous révèle une part de lui au travers d'un prisme, des situations mises en peintures qui nous interrogent. Nous invitons à plonger sans retenue dans l'univers de Pascal Marcel.
MONJO Nicolas
Après avoir longtemps cherché sa voie dans le domaine artistique, Nicolas Monjo a découvert la peinture à l’âge de vingt ans. Autodidacte il a développé une technique qui lui est propre et lui permet de jouer avec la matière proposant un style très personnel. La figure humaine est au centre de son travail. Ses sujets évoluent souvent dans des univers fantastiques et ne sont pas sans rapport avec la société et le monde qui nous entourent. Les personnages sont enfermés, écrasés par le cadre du tableau, ils mettent en avant la difficulté que nous avons de sortir de notre condition, de la transcender, dans une société violente et anxiogène qui ne nous le permet pas toujours. Le rapport « dominant / dominé » est souvent évoqué et la figure récurrente du poisson en est ici l’expression ultime. Une palette de couleur douce et sombre à la fois, crée une atmosphère singulière.Les mots de la galerieNicolas Monjo a directement pris contact avec la galerie pour présenter son travail. J’ai immédiatement perçu sa technicité et suis rentrée sans détour dans son univers. Séduite par le sujet et sa vision du monde, ses œuvres m’ont touchée. La rencontre avec l’artiste, sympathique et simple, a fini de me convaincre. Nicolas Monjo est authentique et sincère dans son travail, il n’explique pas vraiment ce qui le conduit à peindre mais en reconnait l’absolue nécessité. Artiste dans l’âme, il préfère rester dans son atelier et laisser aux autres le soin de parler de son travail. Nicolas apporte une touche différente dans la galerie et rejoint nos artistes par une identité marquée et une belle personnalité.
PATOUNE
Un nom d’artiste qui attire d’emblée la sympathie ! « Patoune » vous parlera de son œuvre avec un accent chatoyant du sud de la France. L’artiste vit sa peinture dans son moindre recoin, sujet, texture, rapport à la matière et à la couleur, Patoune nous raconte ses voyages, ses rencontres à travers son vécu. Des émotions qui se respirent, des valeurs humaines qui jaillissent de l’œuvre.Dynamique et spontanée sa technique et gestuelle frôlent l'abstraction. Des paysages colorés, des silhouettes qui se dessinent et vous invitent à les suivre, les œuvres de l’artiste sont quasiment tactiles.Son travail est reconnu et l’artiste, représentée en France et à l’étranger, a rejoint un grand nombre de collections.Les mots de la galerieJ’ai rencontré Patoune sur un salon d’art à Nantes. Elle avait les larmes aux yeux devant une œuvre que nous exposions. Les artistes ont pour habitude de dire qu’une œuvre est pour quelqu’un, Patoune avait rencontré la sienne. Depuis nos chemins se sont croisés à plusieurs reprises et j’ai suivi son travail avec attention. Très sensible à son univers et à son travail de matière, ce sont aussi ses valeurs humaines et sa générosité qui nous ont finalement réunies.
REHEISSER Thomas
Né en 1977, Thomas Reheisser évolue dans un milieu familial propice à l’art qu’il découvre dans son ensemble. Deux superbes perspectives s’imposent à lui comme une évidence : la musique et le dessin. D’aussi longtemps qu’il se souvienne Thomas a toujours tenu un pinceau sans qu’il ne lui permette de s’exprimer pleinement. Dès sa sortie du lycée, la société Texunion repère son coup de crayon et le recrute, il dessinera pour elle les collections de cette marque mythique jusqu’en 2000, date de fermeture de l’entreprise. Thomas Reheisser décide alors de reprendre ses études en musique et deviendra enseignant au conservatoire de Mulhouse et de Colmar. Passionné de guitare il exprime et transmet par les cordes ce que le pinceau n’exprime plus depuis longtemps. Puis c’est le choc, le déclic, il rencontre Christophe Hohler célèbre pianiste plasticien. Thomas revient libre, libre d’exprimer par le dessin, par la peinture. Sa première œuvre, après toutes ces années de silence est simplement époustouflante. Puissance, profondeur, maturité, Thomas a trouvé son expression artistique plastique.Ne pouvant l’égaler nous citerons Lionel Bamond, écrivain, découvrant les œuvres de Thomas « Impossible de contrôler l’émoi en coup de poing dans l’estomac ..En creux de ces créatures errantes et jaillissantes d’une nuit de carbone, j’y devine, pêle-mêle, le flouté de Jean-Jacques Henner, l’éclairage de Caravage, l’encrage de Soulage, la solitude de Bacon »
Les mots de la galerie3 photos dans un mail et une modeste présentation, presque timide. Thomas Reheisser me contacte, un nom que je ne suis pas près d’oublier. Le premier visuel me hante, le second me captive, le 3ème me décide. Nos échanges sont simples, l’artiste est conforme au message, modeste, simple et généreux.