Les peintres 

Née en 1968, Amey est une artiste peintre française. Issue d'un parcours atypique, Amey poursuit depuis de nombreuses années son travail artistique mais ce n'est que plus tardivement qu'elle décide de s'y consacrer pleinement. Une peinture forte au couteau, des palettes parfois monochromatiques, réduites et souvent sombres sont caractéristiques de son travail. Amey a exploré l'urbain, les lieux abandonnés, les bords de mers, le sport...L'artiste suit ses émotions, ses impulsions et change régulièrement de sujet.


Les mots de la galerie

Ce qui nous a séduit dans le travail d’Amey, c’est la force qui se dégage de chaque toile, un univers qui parle de l’humain, sans pour autant le montrer. Amey ne se définit pas elle-même comme une artiste, elle préfère dire qu’elle peint ses émotions, le couteau a remplacé la plume et la toile le papier. Amey peint souvent en réaction à des événements, elle peut donc varier les sujets même si son terrain de prédilection reste l’architecture. C’est ce travail même qui nous a conduit à la représenter. Ses oeuvres lui ressemblent, peu de mots mais l’essentiel est dit.

Laurent BOURO, artiste français né en 1967 en Touraine, s'est inspiré de ses nombreux voyages dans le monde entier (Europe, Afrique, Asie de Sud-Est, Australie, Nouvelle-Zélande, Amérique du Sud, Amérique Centrale, Caraïbes ... ). Baigné par les cultures, empreint par ces visages mémoire du passé, l'artiste a donné naissance, il y a plusieurs années, à la série "Masque Ürbains" issue de la rencontre et du métissage des  différentes influences culturelles et techniques. Les MÜ tournent autour de l'interrogation et l'ambiguïté que suscite le masque, révélateur d'une culture et incontournable apparat de l'anonymat.

L'artiste mène sans relâche un travail de recherche sur la matière, il expérimente les techniques, repousse les limites des matériaux, joue avec les transparences pour sublimer ses peintures à l'huile. Son nouveau sujet de travail inspire la profondeur de l'âme comme pouvaient le faire ses précédentes œuvres sur les visages. L'arbre, témoin du temps, de nos racines, quête de spiritualité, apparait dans les clairs obscurs comme indétrônable, mystique, observateur silencieux de nos actes, rayonnant à notre intention de sa pureté. Un récent travail sur les paysages met en exergue le travail sur les pigments. Des couleurs uniques, chaudes sur des paysages épurés a rencontré un franc succès auprès des collectionneurs.

Les mots de la galerie

C’est par la découverte des « Masques Urbains » sur le net que nous avons découvert les œuvres de Laurent Bouro et mené des recherches. Les transparences de l’huile sur fond noir, ces visages qui sont venus nous chercher, sont restés en projet d’intégration quelques temps. En 2014 nous échangeons et décidons de nous rencontrer. Je découvre alors un artiste d’une générosité et bienveillance exceptionnelles, une qualité de travail, une recherche et remise en question permanente qui me séduisent et annoncent un avenir très prometteur à cet artiste. Nous projetons une exposition et convenons de sa présence permanente en galerie, il faut que le public découvre ce travail remarquable. Notre persévérance a été récompensée, fidèle à lui-même Laurent a continué ses recherches, fait de nouvelles propositions sans jamais se satisfaire de ses acquis. Depuis 2014 c’est toujours un véritable plaisir de le représenter, de découvrir ses œuvres que nous recevons à chaque fois comme un cadeau.

Après des études à l’Ecole des Beaux-Arts d’Orléans, CAPTON s’est consacré à son art à partir de 1987, et dès 1991 à l’enseignement des arts plastiques. En 2003, il a cessé d’enseigner pour peindre à temps complet. Peintre animalier, portraitiste de taureaux et de vaches, CAPTON se consacre aussi au nu masculin.

CAPTON est un artiste engagé, un peintre exigeant et passionné. Il revendique pleinement l’héritage des anciens maîtres et leur idéal esthétique. Artiste de la Nouvelle Renaissance, la beauté et l’émotion qu’elle procure est au cœur de sa création.

Son travail fait souvent référence à l'univers de la ruralité dans laquelle il puise l'inspiration. Les œuvres de CAPTON évoquent ses questionnements quant à la compétence et la légitimité de l'Homme dans la gestion du monde.

Omniprésente, la question de la « domination » et de ses dérives, rejaillit de manière récurrente dans le travail de Capton. Domination de l’homme sur l’homme, domination de l’homme sur la nature et de sa destruction programmée. L’artiste interroge, nous met en garde contre ces comportements abusifs, destruction par l’homme de son environnement. Un cri d’alarme destiné à nous faire réfléchir et à changer nos comportements.
Le thème de « la nature sacrifié » pointe notre responsabilité sur le devenir de la planète et par des représentations provoquantes, l’artiste nous invite à mener une réflexion active.

Les mots de la galerie :

Notre rencontre avec les oeuvres de Capton date de plusieurs années, interpelées par son travail et les rapports de force et de domination qu'il dénonce nous avions immédiatement réagi. Une rencontre en galerie en 2016 nous a permis de mieux appréhender le travail et l'artiste pour finalement envisager une collaboration qui a pris forme en 2017 avec les Hommes-Taureaux. En 2018 nous introduisons en galerie son travail sur "la nature sacrifiée", un sujet qui nous tient à coeur. CAPTON rejoint les artistes engagés de la galerie et nous offre un regard que nous n'avions pas encore montré.

 

Benjamin Carbonne est un artiste expressionniste né en 1970. Autodidacte et alors âgé de 20 ans, son père lui a offert sa première palette de peintre lui proposant ainsi une alternative à son besoin d'expression. Très rapidement Benjamin donne naissance à des visages tourmentés en noir et blanc.  Il veut aller plus loin et négocie avec le musée d'anatomie de Montpellier l'apprentissage de l'anatomie en échange de dessins réalisés pour les supports de cours. Cette connaissance technique lui permettra alors de se libérer de la technique pour laisser libre cours à l'émotion.

Des créations particulières ont fait évoluer cet artiste émergent :
En 2007, la réalisation d'une fresque de 50 mètres de long au camp de Rivesaltes, donnera à nouveau du sens à sa démarche et fera cheminer Benjamin dans l'appréciation de sa "place" d’artiste dans une histoire.
En 2009, c'est la commande d'une Piéta qui provoquera chez benjamin un travail différent sur le corps.

Depuis Benjamin ne cesse de nous surprendre avec un travail plus récent sur le mouvement interprétant l'homme dans sa recherche permanente et plus récemment une réflexion sur la situation de la femme dans notre société.

Il réalisera aussi des partenariats de recherche avec le corps médical suite à son travail exposé à Bordeaux sur l'obésité.




Les mots de la galerie
J’ai rencontré pour la première fois Benjamin Carbonne en 2012. La découverte de son travail a été violente. Attirance, mystère, violence, dénonciation, douceur… des émotions complémentaires et contradictoires, cela a été une véritable révélation, je voulais que l’on travaille ensemble, cela ne pouvait être autrement. La première rencontre a été aussi complexe que son travail, Benjamin, artiste entier, intègre, voulait être certain que je ne déformerai pas ses propos et que je ressentirai ce qu’il y a de lui dans ses créations. Pour une première collaboration l’artiste m’a proposé de venir peindre les grands formats à la galerie et de passer ainsi plusieurs jours ensemble, ce qui nous permettrait de mieux nous connaître. Benjamin a travaillé dans la 3ème salle, j’ai eu le bonheur d’assister à une performance qui m’a donné « la chair de poule ». Sans besoin de plus de mot, le message était passé. Depuis 2012 c’est une collaboration, une confiance mutuelle qui se sont construites. Nous veillons tous deux à ne jamais déformer les propos, à rester fidèle à ce que nous sommes. Depuis 2012 nous avons exposé tout le travail de Benjamin et continuons avec plaisir à vous faire découvrir son cheminement. 

Catherine Cornec, c'est avant tout un univers ! De formation artistique, Catherine Cornec débute sa carrière comme mosaïste. Très rapidement elle travaille comme copiste de toiles de maîtres pour une galerie Parisienne. Cette collaboration durera 6 années et prendra fin en 2003, date à laquelle l'artiste décide de se consacrer entièrement à sa peinture. Elle garde un excellent souvenir de cette période mais reconnaissant toutefois la difficulté que ce parcours a entrainé pour la suite de sa carrière.

L'artiste passera plusieurs années, enfermée dans son atelier, avant de découvrir son univers. Une démarche complexe qui l'obligeait à faire table rase de son expérience antérieure. D'une technique parfaitement maîtrisée vont naitre des personnages pour l’essentiel féminins, décalés, colorés. L'artiste nous invite dans un univers où humour et couleur pourraient nous faire oublier un instant la profondeur des sujets et la gravité des personnalités. Au fil des ans Catherine Cornec nous présente un personnage complexe, libre, qui met en exergue une sensibilité qui nous est proche.

Les mots de la galerie

Je connais le travail de Catherine Cornec depuis de nombreuses années, elle m’avait été présentée par une amie commune. Intriguée par son univers et captivée par sa technique, cette artiste Bretonne me racontait des histoires à travers ses œuvres. Lorsque la galerie a ouvert en 2009, Catherine faisait déjà partie des artistes. Catherine Cornec est une artiste peintre mais pas seulement, Catherine est passionnée par l’écriture et lit beaucoup. Les personnages, les situations qu’elle rencontre donnent naissance à ses personnages généralement féminins qui s’apparentent parfais à des personnages d’illustration. « Dans sa bulle » pourrait vous révéler une part de sa personnalité, l’artiste est pleine de vie mais s’isole dans sa création, un « tête à tête » qui donne naissance à des œuvres drôles et complexes. Depuis 2009 son travail a connu plusieurs évolutions, ses œuvres marquent des périodes de vie. Nous découvrons toujours avec autant de plaisir son univers.

Sabine Danzé est une artiste Française de renommée internationale. Présente dans de prestigieuses collections ses œuvres circulent dans le monde entier. Cette artiste est un électron libre par son identité artistique, « Vivre pour la peinture » pourrait être l’essence même de sa vie.

Un geste sûr et caractéristique donne l’unité de son travail. Sabine Danzé est entière, sa créativité sans limites et sa détermination profonde. L’artiste peut régulièrement changer de sujet, d’approche, mais son travail garde la même intensité. Une palette de couleurs vives, fluorescentes, des transparences qui démontrent la maîtrise technique de la matière, font des œuvres de Sabine une source inépuisable d’inspiration.

Les mots de la galerie

Nous avons découvert le travail de Sabine Danzé lors d’une exposition chez un confrère. Subjuguée par son travail je n’ai pu m’empêcher d’en faire part, ce qui a déclenché une prise de contact, de nombreuses conversations téléphoniques et une rencontre dans son atelier. Douée, passionnée, Sabine Danzé a une personnalité affirmée. Elle est en effervescence intellectuelle perpétuelle, peint, mène des recherches sur les matériaux, les compositions, travaille plusieurs thèmes à la fois sans jamais rien lâcher. Désireuse de la représenter, mais face à tant de richesse artistique, nous avons décidé de commencer notre collaboration par la série « haute couture » et c’est ainsi que le public bordelais a découvert son travail en 2017. Très vite la reconnaissance artistique a été au rendez-vous, la maîtrise technique, la transparence, la conviction ne pouvaient passer inaperçues.
Cette série met en exergue l’esthétisme tant par le trait que la palette de couleurs. Sabine Danzé nous emmène dans un univers fascinant où luxe et esthétisme ne font pas oublier la sensibilité intrinsèque de chaque œuvre. Les « Haute couture » de Sabine, vous habitent, créent une dépendance mystérieuse, impalpable, et pourtant si réelle.

Nous continuons ce travail de représentation et de présentation avec la série « Go easy » qui nous mène vers un tout autre univers. Des couleurs fluos qui se révèlent sous une lumière bleue, des compositions imaginaires créatives, un nouveau rendez-vous fixé par l’artiste.

Au cours des années 80, Claude Duvauchelle séjourne durant 5 ans à Milan où il rentre aux Beaux-arts de Brera. Parallèlement il découvre in situ l'art de la Renaissance italienne et en retient les leçons édifiantes des anciens (Le Caravage, Mantegna...). Toutes ces peintures de martyrs et crucifixions l'ont fortement et durablement impressionné. Il perfectionne son approche du dessin par le biais de l'apprentissage de la bande dessinée à l'école "Scuola del Fumetto" à Milan.

De retour à Paris et après une dizaine d'années de pratique de la peinture, il ressent la nécessité d'aborder le volume et s'inscrit en section sculpture aux ateliers Beaux-arts de la ville de Paris.

Depuis plus de 20 ans, le corps humain est son sujet de prédilection. Source d'inspiration inépuisable, elle lui permet de traduire ses émotions, tensions, espoirs de l'homme contemporain. Par le biais de raccourcis et écrasements de plans, poses excessives et impossibles, il dépeint une humanité retournée à son animalité originelle.

Ancien géomètre ayant refoulé son énergie créatrice, David Ferreira sut prendre le risque de se consacrer exclusivement à son art, la peinture,  qu'il pratique en autodidacte. Le succès grandissant de l'oeuvre chaotique d'un artiste peinant à se contenir, permit à David Ferreira de se consacrer exclusivement à la pratique de la peinture, d'une acrylique dense et fluorescente.

Levi Dos Santos lui même écrit :"Ferreira est un fulgurant, sans repères ni idoles. (...) Sa production en somme, ce n'est pas de la peinture, c'est un jaillissement maîtrisé." Ainsi on peut considérer l'instinct pictural de Ferreira comme un point de départ de sa création. D'une spontanéïté totale, David Ferreira ne fréquenta aucune école d'art, et cependant sa peinture ne souffre pas d'absences académiques. Sa structure particulière se noue à la rigueur de son esprit mathématique dont l'influence sur son oeuvre picturale n'est pas négligeable : Signes, équations insolubles ou figures géométriques ponctuent ses toiles, entrent en tension avec la luminosité quasi éléctrique des couleurs et des courbes.

David Ferreira joue avec la truelle, le compas, le pied à coulisse, utilise des matériaux divers en supports, surplus, ou signaux qui l'aident à se renouveler tout en conservant dans sa démarche artistique une cohérence réelle. Ainsi, l'amateur d'art n'a aucune difficulté à percevoir la continuité esthétique des différentes séries d'oeuvres telles que "Crayonnade", "Codes barres", "Toto et sa femme" ou "Wharolizé" par exemple.

"Une peinture sensorielle, sensuelle, une bavure...une peinture qui déborde", voilà ce que propose l'artiste dont l'oeuvre dynamique et dense ne laisse pas l'oeil indifférent.

Les mots de la galerie

Nous avons découvert son travail en 2010. Intriguée, parfois perplexe, attirée mais encore trop interrogative ce n’est que quelques années plus tard que David a rejoint nos artistes. Un univers que je devais découvrir, un artiste que je devais rencontrer. David nous emmène dans un monde naïf, gai, coloré, il ne joue pas à l’artiste, il est Artiste.  D’une imagination sans limite, tout sujet, toute situation, est source de création. David, une personne incroyablement en accord avec ses œuvres, j’étais conquise. Depuis 2014 nous avons appris à nous connaître et une belle collaboration est née. David Ferreira a immédiatement été accepté par les Bordelais. Dans un cabinet médical, une entreprise, dans un hall d’entrée, un salon, une cuisine, David a investi l’espace apportant avec lui sa bonne humeur. En 2018 David Ferreira devient l’artiste porteur des valeurs de la « Compagnie Fiduciaire » à Bordeaux. Il réalisera une œuvre de 8x5m pour le siège social de cette dernière qui ouvrira prochaine à Bordeaux. Un challenge ? oui, David adore ça ! mais aussi une belle collaboration avec l’entreprise, une œuvre qui fera parler d’elle.

Né en 1971 à Saint Dizier en haute Marne, Jean Christophe Fischer se passionne pour la peinture dès son plus jeune âge. Ne trouvant pas la profondeur d'âme qu'il recherche, à 20 ans, il arrête la peinture et se tourne vers la musique, la danse. Jean Christophe devient alors percussionniste et travaille pendant une dizaine d'année avec de grands maîtres.

"François Kokelaere m'a fait gagner 20 ans de recherche, je lui dois beaucoup."

Plus de 10 années d'observation, de rencontres lui permettront de murir sa peinture, de puiser dans la vie des réalités obscures, de ressentir au plus profond de lui même des sentiments altruistes dont il prend totalement conscience. L'artiste reprend enfin ses pinceaux et se cherche dans l'abstrait...mais, à sa grande surprise, c'est l'humain qui apparaît.

"Je n'ai rien vu venir, ce fut une découverte, la matière m'a fait toucher ma raisonnance profonde. Alors, comme une analyse insidieuse, je suis parti à ma rencontre...il faut que j'explore tout ça..."

L'homme devient son sujet de prédilection. Miroir de l'âme, sa peinture dévoile une humanité pleine de doutes, d'interrogations, d'incertitudes...le visage qui apparait sur la toile exprime toute la solitude de l'être humain, ses douleurs, ses angoisses. D'hier ou d'aujourd'hui ces visages multiples pourraient être ceux de demain. Tous ces yeux nous scrutent, nous suivent, nous pénètrent  et nous les entendons encore en nous éloignant. C'est assourdissant de vérité et troublant.

Les mots de la galerie

Avant même la création de la galerie j’étais irrémédiablement attirée par les œuvres de Jean-Christophe Fischer. Ma première « rencontre » artistique s’est faite via un magasine d’art, je ne pouvais détacher mon regard de ces yeux qui me scrutaient !!! dérangeant, certes mais tellement captivant. En 2013 je me décide et le contact pour lui proposer une collaboration, sans vraiment penser qu’il accepterait, nous étions une jeune galerie et lui bénéficiait déjà d’une belle représentation et d’une excellente notoriété. Son « oui » a été pour moi un cadeau inattendu, j’allais enfin avoir la possibilité de partager ce coup de cœur, de représenter son travail. Depuis 2014 je vous fais découvrir son univers et vous invite à le suivre dans sa création. Jean-Christophe est une personne engagée qui privilégie les rapports humains, un point commun qui nous relie et nous conforte dans notre collaboration.

Il y a peu, le déclic, faire Art de vivre ne suffit plus, elle concentre desormais son énergie créative à la réalisation d'oeuvres sensibles dans lesquelles la figure humaine est prééminente.
Peu importe le média, on retrouve une proximité dans sa manière de peindre et de sculpter. De la déconstruction expressionniste des codes académiques, forcenée parfois,émanent la tension, l'émotion.


Les mots de la galerie

Nous avons découvert les peintures d'Hellen Halftermeyer en 2017. L'émotion suscitée était telle que nous avons rapidement pris contact avec l'artiste. Des échanges intéressants, une approche très personnelle de la peinture, nous ont convaincues de présenter son travail en galerie. Une première rencontre avec l'artiste, suivie quelques mois plus tard d'une proposition artistique, donnaient du sens à notre future collaboration. En avril 2018, les premières toiles d'Hellen arrivent, un véritable plaisir que de découvrir ces oeuvres d'une sensibilté extrème. Hellen rejoint les artistes de la galerie et apporte une touche féminine, mystérieuse, profonde, au travail intense déjà présenté en galerie.
En parfaite harmonie avec l'esprit de la galerie nous suivons son travail avec beaucoup d'intérêt.

Michel Lagrange écrira un poème "Elle mystérieuse" inspiré par  une oeuvre d'Hellen

"Apparition passage entre-deux de la vie
Univers émouvant
De vitrail spirituel
Sans les cloisons d’un plomb de bas étage
En ce grand rêve océanique
Une impression de femme
Évanescente
Émerge ..."

Délicat, vibrant, puissant, le travail d'Ewa Hauton ne peut laisser indifférent.

Née en Pologne, où elle étudie les Beaux Arts, Ewa Hauton arrive en France en 1990. Elle gagne le prix "Les étoiles de la peinture" dès la première année.Après l'obtention d'un diplôme de Directeur Artistique en Publicité, elle commence une activité de graphiste, plasticienne, et scénographe, en parallèle de la peinture et de la sculpture.

Depuis plus de 10 ans, elle se consacre uniquement à la peinture. Sa rencontre avec une chorégraphe déterminera l'orientation de ses oeuvres vers lemouvement, comme représentation profonde de vie.

Le coprs, surtout féminin, est au coeur de son travail. Entre encre et peinture à l'huile, Ewa se débarasse des matières et des formes superflues. Elle donne vie au mouvement, avec justesse et habileté.

Sur ses travaux à l'encre, une touche de couleur vient percer le noir et blanc, comme un jet de vie qui nous ramène vers l'essentiel. Les grands formats lui permettent une liberté de geste qui contribue à l'éclosion de son oeuvre, mêlant peinture et dessin.

Les oeuvres d'Ewa, comme des mirages oscillants, nous touchent d'une sensibilité subtile, et nous laissent fascinés devant tant de transparence.

Les mots de la galerie

Nous avons découvert les peintures d’Ewa Hauton par l’intermédiaire d’un confrère en 2016. Interpelées par son « geste » nous avons commencé à suivre son travail et avons eu le plaisir de faire sa première exposition en juin 2016 suite à de nombreux échanges. En 2018 j’ai eu le plaisir de faire enfin sa connaissance et j’ai pu apprécier sa générosité, son empathie et sa gentillesse. Ewa correspondait en tous points à ce que je ressentais devant une de ses œuvres. Libre, curieuse, ouverte elle ne cesse de parfaire son travail artistique. Abstraction, figuration, mouvement,  Ewa a su se créer une identité artistique reconnaissable.

Peintre français né en 1985, Henri LAMY interpelle par la spontanéïté de son oeuvre. Des visages et des scènes de vie colorés, traités au couteau, Henri maîtrise la technique et se laisse guider par ses émotions.

Influencé par Yan Pei Ming et Lucian Freud, Henri LAMY s'initie au "dripping" et affine son identité. De l'abstrait au figuratif, il existe un espace qu'Henri investit avec subtilité. L'artiste fait ses premières expositions en France dès 2006 et voyage de plus en plus régulièrement vers l'Asie où il réalise des résidences et des expositions de renom qui lui confèrent une réelle reconnaissance du monde artistique.

Très présent sur le marché asiatique, Henri se saisit de ces influences pour nous présenter un travail pluriculturel. Après sa participation à la Japan Expo à Yokohama, l'artiste a poursuivi par des expositions à Nanjing, Beijing, Tokyo, New York, Honk Kong, Singapore, Manille et dernièrement Bangkok.

Expositions

2017
- Artiste permanent, Bouillon d'art, Bordeaux, France
– Ugnayan sa Poblacion, programme de résidence artistique, Taverne Gutenberg & ZHostel Manila, Philippines
– Power, exposition personnelle, Qube Gallery, Cebu, Philippines
– Figurations Nouvelles, exposition collective, 59 Rivoli Gallery, Paris, France
– Dans quel état j'erre, exposition collective, Taverne Gutenberg, Lyon, France

2016
- Artiste permanent, Bouillon d'art, Bordeaux, France
– Charity Live Painting, Bergonié Foundation, Bordeaux, France with Bouillon d'art Art gallery
– exposition personnelle & performance peinture/Capoeira, SYP, Tokyo, Japan
– exposition personnelle & performance peinture/Capoeira, Zava Gallery, Tokyo, Japan

2015
– exposition personnelle, Le Petit Bateau, Sydney, Australia
– Co-fondateur résidence Taverne Gutenberg, Lyon, France
– Visages d’ailleurs, Bouillon d’Art Gallery, Bordeaux, France
– Malasimbo Music and Arts festival, Puerto Galera, Philippines

2014
– 100ECS exposition collective, 123 Daumesnil Gallery, Paris, France
– Résidence artistique, Montceaux-les-Mines, France
– Hope, exposition personnelle, Modern Gallery, Bangkok, Thailand
– Art’s Vice exposition collective, Lyon, France
– Malasimbo Music and Arts festival, Puerto Galera, Philippines
– Résidence artistique, Le Cent, Paris, France
– Enseignement du dessin, Orphanage House, Sao Paulo, Brazil
– La Désœuvre, exposition collective, Starter Gallery, Neuilly-sur-Seine, France

2013
– Jimmy Cliff & Joss Stone Portrait officiel, Manila, Philippines
– Auction, Little sisters of the poor, San Francisco, USA
– Wanderlust exposition personnelle, Altromondo Gallery, Manila, Philippines
– Vue Privée, Singapore
– Résidence artistique, Hôtel de Gallifet Art Center, Aix-en-Provence, France
– Résidence artistique, Fei Gallery (Cao Chang Di), Beijing, China

2012
– exposition collective, Galerie Modus, France, France
– exposition personnelle, Galerie Saint Charles, Lyon, France
– Lille Art Fair, Galerie Saint Charles, Lille, France
– A Fool’s War, exposition personnelle, Coral Contemporary, Nanjing, China

2011
– Art Auction (by Henri Anton), Westminster Hotel, le Touquet, France
– exposition personnelle at Galerie Flateurville, Paris, France
– Sélectionné pour participer à 59 Rivoli, Résidence artistique à Paris, France

2010
– Exposition, Art Up Déco, Paris
– exposition collective, Maille Store, Paris

2009
– exposition personnelle at Galerie LeHalle, Paris, France

Diplômée de l'école Boulle, cette architecte d'intérieur débute sa vie professionnelle dans le conseil en design mobilier et agencement. Après quelques années, Emmanuelle LEMETAIS décide de se consacrer à la peinture et à l'illustration. Son trait appliqué retransmet une observation concentrée du réel. L'artiste, qui intègre les lois picturales de la perspective, developpe des vues urbaines ou des paysages de façon vive et colorée. Même lorsque les couleurs froident semblent dominer, les orangés, prunes, et rouges réchauffent la toile. Dans les oeuvres de LEMETAIS, la couleur est reine. Elle est la base sur laquelle l'artiste travaille. Chaqune de ses oeuvres est, au dela du réalisme, l'histoire d'une miroitement où la lumière suspend le temps et nous dévoile sa beauté cachée : celle de son arc-en-ciel.

Les mots de la galerie

Nous avons aimé la capacité qu’Emmanuelle à de gérer les lignes et faire oublier la rigueur architecturale par une palette de couleurs rendant hommage à la vie. Les villes apparaissent sous une ambiance joyeuse, lumineuse et les traits viennent structurer cet océan de couleurs. Emmanuelle a une vision très picturale de nos villes, elle nous donne envie d’y vivre, elle nous raconte les rencontres, les échanges et replace la ville dans ce qu’elle a de lien social. Emmanuelle Lemétais restitue des atmosphères tout en mettant en exergue notre patrimoine culturel. Le grand théâtre de Bordeaux, la place de la bourse ou tout simplement les petites rues atypiques sont traités avec douceur et dextérité. Un travail architectural qui sort des sentiers battus.
Nous aimons découvrir Bordeaux au gré des œuvres d’Emmanuelle, nous souvenir de moments immortalisés par ses peintures.

Emmanuelle fait partie des artistes de la galerie depuis 2016.