Les peintres 

Née en 1968, Amey est une artiste peintre française. Issue d'un parcours atypique, Amey poursuit depuis de nombreuses années son travail artistique mais ce n'est que plus tardivement qu'elle décidera de s'y consacrer pleinement. Elle traitera de nombreux sujets qui ont tous pour point commun l'homme, ses relations sociales et la nature.
Ce travail sur les marines en monochromes raconte ce que l'artiste recherche dans la nature. Cet élément qui lui est si familier regorge de douceur, force et sérénité. Les lignes viennent rythmer les mouvements abstraits de l'artiste laissant à chacun la possibilité de s'approprier le paysage. Nous retrouverons régulièrement dans ce travail l'inspiration des côtes du bassin d'Arcachon, de ses marées et Baïnes, bateaux et parcs à huitres. Amey rend le sujet très graphique et contemporain dans une mise en lumière qui lui est si particulière. Le travail sur toile de lin laisse ainsi apparaître la toile tissée réhaussant l'esprit nature de la composition. Ces paysages marins architecturaux sont à la fois poétiques et dynamiques.

Amey, les mots de la galerie

Ce qui nous a séduit dans le travail d’Amey, c’est la force qui se dégage de chaque toile, un univers qui parle de l’humain et de sa recherche spirituelle au travers de paysages marins, sans pour autant le montrer. Amey ne se définit pas elle-même comme une artiste, elle préfère dire qu’elle peint ses émotions, le couteau a remplacé la plume et la toile le papier. Amey peint souvent en réaction à des événements, elle peut donc varier les sujets même si son terrain de prédilection reste la nature. C’est ce travail même qui nous a conduit à la représenter, ses œuvres lui ressemblent, peu de mots mais l’essentiel est dit.

Raoul P.Brosseau est breton. Peut-être l’aviez-vous deviné ? Certainement, les bretons ont cette capacité à parler de ce qui leur est essentiel, l’océan.  Ils vivent avec l’eau, ne forment qu’un avec les éléments, se fondent dans le milieu aquatique. Raoul P.Brosseau en a hérité un caractère fort et avec l’océan Atlantique en toile de fond, il peint des souvenirs d’enfance sur des plages bordées de pins. Les nageurs réécrivent l’histoire, mentant un peu parfois pour la rendre plus belle qu’elle ne fut.
« L’eau est un élément où l’on s’oublie, où l’on disparait. Lorsque l’on se baigne, on n’est plus seulement soi mais un tout avec elle. Le temps n’existe plus. Et quand on en sort reste ce petit sourire mystérieux, à la fois désabusé et satisfait qu’arborent mes nageurs. »
Alors si Raoul P. Brosseau nage depuis toujours, il peint également depuis sa plus tendre enfance. Des dessins puis des toiles mais cela reste un plaisir des heures perdues. Raoul devient enseignant, libraire, journaliste, attaché de presse, fait de la communication, joue du ukulélé dans un groupe, écrit des chroniques polar… Une vie littéraire et artistique bien remplies, puis des rencontres encourageantes lui permettent de participer à de premières expositions. L’artiste imagera ce passage comme suit « comme on saute d’un plongeoir un peu trop haut, pour s’apercevoir ravi, que tout se passe bien » l’artiste se consacre alors pleinement à la peinture qui l’a accompagné toute sa vie.
Son travail gravite autour des techniques mixtes, de l’acrylique. Un mélange d’aplats et de reliefs, de couleurs vives ou grisés. Le contraste est une des clefs de son expression, comme un décalage auquel on ne s’attend pas.
Aujourd’hui, depuis moins de dix ans, Raoul P. Brosseau a participé à de nombreuses manifestations artistiques, a exposé dans plusieurs galeries notamment dans l’ouest de la France.
Et Raoul P. Brosseau est heureux.

Les mots de la galerie sur Raoul P.Brosseau

Raoul P.Brosseau m’a contactée par mail pendant la période de confinement, un moment propice pour réfléchir et s’élancer vers de nouveaux projets. J’ai découvert avec beaucoup de plaisir son élément, son univers et cette perplexité naissante devant ses œuvres. J’ai beaucoup aimé mais je n’ai pas donné de réponse immédiate la période n’étant pas réellement favorable à l’intégration d’un nouvel artiste. Une semaine plus tard Raoul P.Brosseau me téléphonait, j’ai ressenti une joie de vivre, un parcours complet et complexe et une réel désir d’établir une relation de confiance. La décision s’est prise immédiatement et malgré cette période qui nous clouait à la maison, nous avons souhaité débuter sans tarder cette nouvelle collaboration en attendant de pouvoir se rencontrer.

Exposition 2020

Benjamin Carbonne, dans son exigence de la connaissance, a profité d'une opportunité qui lui était donnée pour apprendre l'anatomie en Faculté de médecine. Aujourd'hui, il est libéré de l'aspect technique de l'anatomie et n'est que spontanéité et émotion.
L'artiste représente souvent des êtres tourmentés, cette période de son travail se concentrera sur des visages parfois doux et sensibles, mais aussi très souvent déchirés, arrachés ou déformés par la douleur, le cri, le besoin d'expression.
En 2004 il crée avec Antonio Rodriguez Yuste (poète et peintre), l'atelier d'art contemporain "Interférences" et étendent leur collaboration à Stéphane Carbonne (sculpteur, peintre, chanteur).
Des œuvres particulières sont à l'origine de l'évolution de Benjamin : en 2007 la réalisation d'une fresque de 50 mètres de long au camp de Rivesaltes, donnera à nouveau du sens à sa démarche et fera cheminer Benjamin dans l'appréciation de sa "place" d'artiste dans une histoire, en 2009 c'est la commande d'une "Piéta" qui provoquera chez Benjamin un travail différent sur le corps.
Après avoir touché avec intensité l'expression de ce qui pouvait être le plus à vif, le plus écorché en lui comme dans l'humanité, Benjamin prend naturellement ce nouveau chemin vers un travail sur d'autres corps ou visages, révélant toute leur puissance dans un contraste de profondeurs et de légèretés, de précisions picturales et d'espaces de l'imaginaire. La galerie Bouillon d'art a représenté Benjamin Carbonne durant 7 ans.

Dernière de la galerie œuvre disponible de Benjamin Carbonne

Né en 1971 à Saint-Dizier, en Haute-Marne, Jean-Christophe Fischer se passionne très tôt pour la peinture, médium dans lequel il pressent un espace d’expression totale. Pourtant, à vingt ans, il met brusquement ses pinceaux de côté. En quête d’une autre vibration, d’une résonance plus profonde avec le vivant, il se tourne vers la musique et la danse, disciplines où le corps et le rythme deviennent langage.
Pendant plus d’une décennie, il travaille comme percussionniste aux côtés de grands maîtres, dont François Kokelaere, qu’il considère comme un guide essentiel :

« François Kokelaere m’a fait gagner vingt ans de recherche, je lui dois beaucoup. »

Ces années d’immersion dans le rythme, l’écoute et la résonance nourrissent en silence son regard. L’artiste observe, rencontre, se forge une vision humaniste du monde. Lorsque Fischer revient à la peinture, plus de dix ans plus tard, c’est avec une maturité nouvelle et une exigence intérieure qui bouleversent sa pratique.
Il s’aventure d’abord dans l’abstraction, cherchant à traduire la vibration du réel. Mais très vite, l’humain s’impose. La matière picturale devient le lieu d’apparition de visages — anonymes et pourtant universels — où se lisent les doutes, les angoisses, les silences.

« Je n’ai rien vu venir, ce fut une découverte : la matière m’a fait toucher ma résonance profonde. Alors, comme une analyse insidieuse, je suis parti à ma rencontre… Il faut que j’explore tout ça. »

L’homme devient dès lors son sujet de prédilection. Ses tableaux révèlent une humanité fragile, questionnante, parfois inquiète, mais toujours en quête d’un sens. Les regards qu’il peint scrutent le spectateur, le suivent, l’interpellent. Dans ces toiles, on perçoit à la fois la solitude de l’être et son irrépressible désir de lien.
Cette peinture de la conscience et du doute, souvent chargée d’émotion, dialogue avec les grands questionnements du siècle : la place de l’individu, la mémoire, le collectif, l’identité.

Une nouvelle ère : la couleur, le jeu et la réconciliation

Depuis quelques années, Jean-Christophe Fischer fait évoluer son œuvre vers une énergie plus solaire et symbolique. Sa peinture s’ouvre à la couleur vive, à la forme ludique, au mouvement. Sans rien perdre de sa profondeur, elle s’enrichit d’une dimension joyeuse et onirique où les signes, les chiffres, les éléments du quotidien deviennent les fragments d’un puzzle existentiel.

Dans des toiles récentes comme Au centre du jeu ou ce triptyque coloré présenté à la Galerie Bouillon d’Art, Fischer explore l’équilibre fragile entre l’intériorité méditative et le foisonnement du monde. On y retrouve sa figure centrale — souvent un personnage assis ou pensif — plongée dans un univers vibrant de symboles : étoiles, fleurs, rayons, notes de musique, verres de vin, pièces de puzzle. Tout semble flotter dans un espace de rêve et de mouvement, comme si la vie elle-même devenait un grand jeu de formes et de connexions.

Ce nouveau cycle de création marque un retour à la lumière. L’artiste, sans renier la gravité de ses débuts, célèbre désormais la part ludique et poétique de l’existence. Sa peinture, à la croisée du pop art, du symbolisme et d’une gestuelle libre, évoque par certains traits la spontanéité de Keith Haring, mais s’en distingue par une dimension introspective et méditative : chez Fischer, la ligne joyeuse cache toujours une quête intérieure.

Peindre la vibration humaine

Aujourd’hui, Jean-Christophe Fischer poursuit son travail à la frontière du spirituel et du quotidien. Il peint comme on compose une musique : en cherchant l’accord juste entre le rythme, la couleur et le silence. Chaque toile devient un espace de résonance, une invitation à retrouver l’unité au sein du chaos.

« L’homme est au centre, toujours. Même dans le jeu, même dans la couleur, il cherche à se comprendre. »

Les mots de la galerie  sur Jean-Christophe Fischer

Avant même la création de la galerie j’étais irrémédiablement attirée par les œuvres de Jean-Christophe Fischer. Ma première « rencontre » artistique s’est faite via un magasine d’art, je ne pouvais détacher mon regard de ces yeux qui me scrutaient !!! dérangeant, certes mais tellement captivant. En 2013 je me décide et le contact pour lui proposer une collaboration, sans vraiment penser qu’il accepterait, nous étions une jeune galerie et lui bénéficiait déjà d’une belle représentation et d’une excellente notoriété. Son « oui » a été pour moi un cadeau inattendu, j’allais enfin avoir la possibilité de partager ce coup de cœur, de représenter son travail. Depuis 2014 je vous fais découvrir son univers et vous invite à le suivre dans sa création. Jean-Christophe est une personne engagée qui privilégie les rapports humains, un point commun qui nous relie et nous conforte dans notre collaboration.

Née en 1980 à Lille, Hellen Halftermeyer n'a pas envisagé de prime abord le partage de son travail d'artiste, comme si le simple fait de vivre sa Vie était en soi un acte artistique bien assez échevelé et souvent anticonformiste.

Il y a peu, le déclic, faire Art de vivre ne suffit plus, elle concentre desormais son énergie créative à la réalisation d'oeuvres sensibles dans lesquelles la figure humaine est prééminente et depuis peu le monde animalier et en particulier les oiseaux qu'elle se plait à observer tous les jours.
Peu importe le média, on retrouve une proximité dans sa manière de peindre et de sculpter. De la déconstruction expressionniste des codes académiques, forcenée parfois,émanent la tension, l'émotion.

Hellen Halftermeyer : Les mots de la galerie

Nous avons découvert les peintures d'Hellen Halftermeyer en 2017. L'émotion suscitée était telle que nous avons rapidement pris contact avec l'artiste. Des échanges intéressants, une approche très personnelle de la peinture, nous ont convaincues de présenter son travail en galerie. Une première rencontre avec l'artiste, suivie quelques mois plus tard d'une proposition artistique, donnaient du sens à notre future collaboration. En avril 2018, les premières toiles d'Hellen arrivent, un véritable plaisir que de découvrir ces oeuvres d'une sensibilté extrème. Hellen rejoint les artistes de la galerie et apporte une touche féminine, mystérieuse, profonde, au travail intense déjà présenté en galerie.
En parfaite harmonie avec l'esprit de la galerie nous suivons son travail avec beaucoup d'intérêt.

Michel Lagrange écrira un poème "Elle mystérieuse" inspiré par  une oeuvre d'Hellen

"Apparition passage entre-deux de la vie
Univers émouvant
De vitrail spirituel
Sans les cloisons d’un plomb de bas étage
En ce grand rêve océanique
Une impression de femme
Évanescente
Émerge ..."

Découvrir l'exposition 2023

Découvrir l'exposition 2019

Entrer dans l’univers de LINE.C, c’est traverser des strates. Celles de la couleur et du vernis, de l’argile et du pigment, mais aussi celles du temps, du corps et de l’émotion. Depuis ses débuts, l’artiste rennaise née en 1977 a placé le visage et le geste au centre de sa recherche, cherchant dans l’humain un territoire où se révèle ce qui échappe – l’incontrôlable, le tremblement, la faille du masque.

Formée aux Beaux-Arts de Rennes (1996-2000), elle explore très tôt la photographie et la vidéo. Sa série du « non-masque » – les sauteurs à l’élastique saisis en plein vol, puis insolés sur toile – dévoile une fascination pour ces moments où l’expression surgit brute, sans filtre. En parallèle, elle mène un travail pictural sur toile qui se nourrit du dripping et de l’énergie gestuelle héritée de Pollock, mais déplace cette esthétique vers une interrogation du visage comme surface poreuse, masque mouvant, espace de projection de l’inconscient.

Un voyage fondateur en Afrique lui fait découvrir la puissance des pigments naturels et la question du métissage. Ses premiers visages androgynes, exposés à Dak’Art 98 puis à Femin-Art en Allemagne et en Belgique, témoignent d’un univers déjà cosmopolite, sensible aux dialogues entre techniques et cultures. En 2004, l’affiche qu’elle réalise pour les Transmusicales de Rennes inscrit sa recherche dans l’espace public et confirme l’aura d’une artiste capable de faire circuler son vocabulaire visuel entre scène artistique et scène urbaine.

Mais c’est en 2008 que LINE.C amorce un virage décisif : la découverte de la laque. Elle attendra sept années avant de contacter la maître d’art Isabelle Emmerique qui lui permettra de se former à la laque européenne, tradition tricentenaire puisant ses gestes en Chine et au Japon. Dans ce médium lent et exigeant, l’artiste trouve le lieu idéal pour faire dialoguer rigueur technique et vibration intérieure. Vernis et pigments se déposent en couches successives, se nourrissant les unes des autres, créant des profondeurs inédites où la lumière semble circuler depuis l’intérieur de la matière.

Cette maîtrise technique n’a rien d’un repli. Elle ouvre au contraire LINE.C à une expérience du temps long, où chaque strate devient un souffle, un intervalle méditatif. Cette dimension se renforce en 2018 lors d’une résidence en Chine à Longzhou. Elle y découvre la calligraphie auprès de maîtres d’art et apprend à considérer le trait non comme une ligne mais comme une respiration. La notion de « souffle », essentielle à la pensée extrême-orientale, irrigue désormais son geste : le corps entier participe à l’acte pictural, l’encre ou le pigment prolonge l’inspiration et l’expiration, l’écriture devient presque chorégraphie.

De cette expérience naissent ses « écritures imaginaires ». Ni alphabet, ni calligraphie au sens strict, elles constituent une langue plastique où l’inconscient et l’émotion prennent le pas sur l’intention. L’artiste commence par retranscrire ses états intérieurs, puis s’en libère pour laisser apparaître des formes semi-abstraites ou figuratives, comme surgies d’un arrière-pays mental.

Dans ses œuvres récentes, le visage demeure présent mais se fragmente, se dissout parfois dans la matière pour mieux ressurgir. Pigments, laques, huiles et gestes calligraphiques s’entrelacent pour construire des paysages intérieurs où l’humain n’est plus seulement un sujet mais une texture, un rythme, un flux. L’abstraction et la figuration ne s’opposent pas : elles cohabitent, se répondent, glissent l’une vers l’autre comme les couches de vernis qu’elle superpose patiemment

Contempler une œuvre de LINE.C, c’est donc accepter un double voyage. Un voyage sensoriel d’abord, dans l’épaisseur de la matière : reliefs, incrustations, transparences qui se dévoilent lentement. Un voyage intérieur ensuite, dans l’espace des émotions et des archétypes : visages métissés, écritures inconnues, traces du souffle. Ses peintures et ses laques proposent une expérience de ralentissement dans un monde saturé d’images instantanées ; elles invitent à prendre le temps d’observer, d’entrer dans la densité du pigment et de la lumière, d’écouter ce que la main a inscrit dans le silence du geste.

L’œuvre de LINE.C se situe ainsi à la confluence de plusieurs héritages – gestualité occidentale et lenteur orientale, techniques traditionnelles et questionnements contemporains – pour inventer un langage pictural profondément singulier. Elle nous rappelle que, sous les couches du masque, il y a toujours un souffle, une écriture, un visage.

Les mots de la galerie : LINE.C

J'ai découvert le travail de LINE.C en 2018 et j'y ai succombé. La délicatesse, la légrèreté, le mouvement et l'énergie étaient incroyables. A la rencontre des époques, l'artiste m'a guidée vers sa spiritualité, son intériorité. Sept ans plus tard nous reprenons contact et et convenons pour ma plus grande joie de présenter son travail sur Bordeaux qui j'en suis persuadée vous touchera profondément.

Né en 1954 en Allemagne, Kurt Mair suit un enseignement artistique en Allemagne à l'Ecole Supérieure de Pédagogie de Lörrach de 1978 à 1983 puis il décide d’étudier l'histoire de l'Art, l’archéologie et la Japonologie à l'Université Albert Ludwig de Fribourg pendant 4 ans. De 1987 à 1990 il complète son parcours par l’Ecole des Arts Décoratifs de Strasbourg où il se spécialise dans les arts graphiques et y étudiera la gravure et la lithographie. Après 5 années passées à travailler pour un atelier d’art graphique à Colmar, Kurt Mair décide de s’installer comme artiste peintre en 1996. Il peint, grave, dessine sur la pierre lithographique et expose ses œuvres régulièrement en Europe (France, Allemagne, Italie, Danemark, etc.) et en Indonésie.
Pour Kurt Mair Le corps est l’expression d’une intensité et d’une intimité qui varient suivant l’espace qu’il choisit pour en montrer l’intériorité ou le dessein : « Il y a comme un vocabulaire du corps, un alphabet imaginaire qui me parle dans une expression qui peut être immédiate ou inconsciente. » KM
Entre humour et même parfois ironie, les œuvres de Kurt Mair dépassent la palette toscane des couleurs de l’Italie pour révéler le moment, l’artiste met la technique au service de l’instant se laissant happer par la contemporanéité dans laquelle il s’ancre.
Certains thèmes sont récurrents dans son travail, les « natures mortes », « Stilleben » en allemand qui veut littéralement dire « vie silencieuse », plus précise à son sens que la forme française, et les nus ou portraits inspirés par les peintres de la Renaissance italienne et les expressionnistes germaniques. Kurt Mair revendique ses maîtres, Le Caravage, Rembrandt, Fernand Khnopff ou encore Egon Schiele dont il a étudié les œuvres, lui travaille à la proposition d’un regard sur l’inachevé, avec une énergie, un doute une conscience.

Kurt Mair : Les mots de la galerie

Kurt m’a contactée par email en septembre 2023. J’ai d’abord été saisie par sa vision contemporaine des personnages et cette abolition du vecteur temps. Les époques se côtoient, s’opposent, se complètent et s’indexent semblant converger vers l’instant présent. Le trait prend alors toute sa place et resurgit de la toile au milieu de cette palette subtile, harmonieuse et maîtrisée, liant les personnages et se substituant au temps. J’ai aimé cet hommage aux peintres de la renaissance replacés dans notre époque et notre quotidien. Humour, ironie, entre restitution visionnaire et décalage de nos sociétés l’artiste interroge le visiteur.

Manat : Les mots de la galerie

Né en 1964 à Montélimar, Pascal Marcel est un autodidacte. Il commence ses premières expositions en 1980. C’est en 1993 qu’il décide de se consacrer entièrement à la peinture et se dirige vers un travail abstrait. Il se consacre définitivement au figuratif durant son séjour de 5 ans au Mexique, où il participe à de nombreuses expositions. Il en reviendra avec plein de couleurs vives et chaleureuses. L’émotion est au cœur du travail de Pascal Marcel. Ses toiles ne mentent pas, mais agissent comme un miroir où nous sommes libres d’ajouter notre propre histoire et notre vécu. Au début l'artiste a retranscrit sans filtre et avec une honnêteté touchante, des scènes de vies vraies. Ainsi, l’Homme au centre de ses œuvres est peint avec une admirable tendresse. On y découvre les gueules de la nuit, les blessés de la vie, les paumés des petits matins mais aussi l’allégresse de l’enfance et les petits bonheurs simples du quotidien ". Puis arrive la période Covid, l'artiste s'enferme dans son atelier et un nouveau message apparaît dans son travail, des oiseaux dans le ciel, des personnages plus abstraits comme plus éloignés font leur apparition. C'est avec cette maîtrise de l'abstrait que pascal nous embarque avec lui dans une nouvelle vision du monde. La palette se modifie, se nuance mais la tendresse et l'émotion restent au rendez-vous. Dans l'œuvre de Pascal chaque tableau est une composition de peintures abstraites jusqu’à s'unifier pour ne plus former qu'un tout.

Pascal Marcel : Les mots de la galerie

J'ai découvert les œuvres de Pascal Marcel il y a quelques années sur un salon. La palette extraordinaire de couleurs retient l'attention, puis la magie opère. Une grande sensibilité, des scènes de vie du quotidien, de la tendresse, de la curiosité, tout se mêle en nous et le regard continue de se perdre dans l'œuvre.
Il aura fallu plus de 6 années pour que nous puissions enfin nous rencontrer et vous faire découvrir son travail.
Sincère et d'une grande gentillesse, l'artiste nous révèle une part de lui au travers d'un prisme, des situations mises en peintures qui nous interrogent. Nous vous invitons à plonger sans retenue dans l'univers de Pascal Marcel.

Tony Masschelein : Les mots de la galerie

Née à Paris en 1972, Virginie Mézan de Malartic évolue dans un environnement riche en influences créatives, héritage direct de son père architecte et de sa mère décoratrice. Dès son plus jeune âge, elle consacre son temps libre au dessin, s’immergeant dans les univers visuels qui marqueront plus tard son travail. Deux œuvres emblématiques, La Pie de Monet et La Femme aux yeux bleus de Modigliani, éveillent son intérêt pour la peinture et définissent les thématiques majeures de son art : la lumière, l’élégance et le mystère.

Des scènes d’intérieur empreintes de poésie et de profondeur

Virginie Mézan de Malartic se spécialise dans la peinture figurative, notamment dans des scènes d’intérieur où chaque élément semble chargé d’histoire. Les compositions qu’elle propose, comme celle visible dans Havre de Paix, sont caractérisées par leur ambiance théâtrale : des rideaux élégamment tirés, des couleurs riches et une lumière douce qui effleure les objets abandonnés, suggérant un récit en suspens.

Dans ses œuvres récentes, les personnages disparaissent parfois, mais leur présence se devine à travers des indices laissés derrière eux : un livre négligé, une étoffe posée, un détail architectural qui capte le regard. L’absence devient alors un espace narratif, invitant le spectateur à imaginer le passé ou l’avenir de ces lieux empreints d’émotion.

Une technique maîtrisée et une quête de lumière

La peinture à l’huile, appliquée au couteau en couches successives, est au cœur de la démarche artistique de Virginie Mézan de Malartic. Cette technique lui permet de travailler les textures et les transparences avec une précision rare, donnant à ses toiles une profondeur presque tactile. Le clair-obscur, omniprésent dans ses œuvres, sublime la composition en jouant sur les contrastes entre ombre et lumière, renforçant ainsi l’atmosphère intime et mystérieuse de ses scènes.

Une artiste reconnue sur la scène internationale

En 2004, Virginie décide de se consacrer pleinement à sa passion pour la peinture. Depuis, elle multiplie les expositions dans des lieux prestigieux tels que le Salon Art en Capital au Grand Palais à Paris ou l’Espace Pierre Cardin. Ses œuvres, exposées dans des galeries à Paris, Bruxelles et Londres, séduisent un public international par leur raffinement et leur sensibilité.

Virginie Mézan de Malartic ne peint pas seulement des scènes d’intérieur : elle compose des fragments de vie, des récits ouverts où chaque détail est une invitation à la rêverie. Entre élégance et mystère, sa peinture capture l’essence même de la beauté intemporelle.

Les mots de la galerie, Virginie Mezan de Malartic

Cela faisait quelques années que je regardais le travail de Virginie, je me souviens avoir été absorbée par ses clairs-obscurs, sur un salon et dans des galeries qui la représentaient, et plus particulièrement par son travail sur les intérieurs dénués de présence humaine. Puis une proposition de son agent au bon moment m'a décidée. Je suis ravie de partager avec vous cet univers apaisant, introspectif et méditatif.

Nicolas Monjo : Les mots de la galerie

Thomas Reheisser : Les mots de la galerie

Né en Vieille Castille en 1957, Marcos Rodrigo grandit dans une atmosphère imprégnée de traditions. À l’âge de 4 ans il arrive en France, sa famille s’installe dans un petit village du Lot, où il découvre la beauté brute des paysages et des matériaux naturels. Sous l’influence de son père, artisan restaurateur, il s’initie dès son plus jeune âge tous les jeudis à l’art de façonner le bois et la pierre, développant ainsi une sensibilité particulière pour la matière et les textures.

Adolescent, il perfectionne son talent pour le dessin, trouvant refuge dans les arts visuels durant ses années de pensionnat. La solitude de cette période alimente son imaginaire et lui permet d’explorer la relation entre le trait et l’émotion.

Au début des années 1990, après plusieurs voyages marquants à travers l’Europe, Marcos Rodrigo se lance dans les pastels après qu'on lui ait offert ce médium en cadeau. Capivé par l'oeuvre de Degas et de Francine Van Hove il en expériemente l'utilsation et continue de puiser son inspiration dans des sources variées : la grâce des madones italiennes, les palettes vibrantes des impressionnistes, la puissance des peintres espagnols et l’intensité des expressionnistes germaniques. Ces influences se fondent dans un style personnel mêlant classicisme et modernité.

Membre actif des “Arts et Lettres de France” et des “Artistes Indépendants”, il expose ses œuvres depuis 1993 lors de salons et d’expositions individuelles en France comme à l’étranger, renforçant sa notoriété dans le milieu artistique contemporain.

Au centre de son univers artistique, le portrait féminin occupe une place prépondérante, l'artiste précisera qu'il a vécu au sein d'une famille composée de 2 soeurs ainées. Tantôt énigmatiques, tantôt expressives, les femmes de Marcos Rodrigo incarnent une sensualité tout en retenue. Elles se dévoilent par fragments, souvent protégées par des postures introspectives ou des accessoires symboliques qui dissimulent une partie de leur essence. Dans ses œuvres, la femme semble à la fois proche et inaccessible, captant le regard sans jamais totalement se laisser saisir. Cette tension subtile instaure un dialogue fascinant entre la toile et le spectateur, où chacun projette ses propres émotions et questionnements.

Bien que ses œuvres soient profondément enracinées dans les traditions picturales européennes, Marcos Rodrigo y intègre une vitalité moderne qui rappelle l’énergie du street art. Ses coups de pinceau audacieux, ses textures superposées et ses effets de matière rappellent les murs urbains marqués par le temps et les interventions artistiques spontanées.

Aujourd’hui, Marcos Rodrigo continue de séduire par la richesse et la profondeur de son travail. Ses portraits explorent les facettes de l’âme humaine avec une intensité rare. Chaque tableau est une invitation à la contemplation, mêlant intimité et universalité.

Marcos Rodrigo ne se contente pas de représenter ses sujets, il révèle leur essence, offrant au spectateur une expérience à la fois visuelle et émotionnelle.

Marcos Rodrigo : Les mots de la galerie

Je connaissais les tableaux et sculptures de Marcos à travers mes confrères puis Paul, son agent, m'a présenté ses dernières œuvres encore plus expressives, un mouvement fort, un geste libéré, une palette restreinte, un vent de modernité, de puissance et de féminité sujet qu'il traite si bien. J'ai eu envie de représenter son travail sur Bordeaux et de puiser dans son énergie. Marcos en parlant de ce dernier travail parlera d'une maturité et d'une grande liberté enfin exprimées.

Christophe Ronel est né en 1964 à Rouen en Normandie. Dans une ville bercée par la peinture il a le privilège de grandir auprès d’un père artiste peintre paysagiste Marcel Laquay. Christophe Ronel s’imprègne ainsi dès son plus jeune âge de ce médium qui ne le quittera jamais. A 10 ans il commence à montrer ses premières toiles, à 14 ans il fait partie des expositions collectives de la galerie Rollin à Rouen qui par ailleurs expose aussi son père. Puis à 17 ans la galerie lui propose sa première exposition personnelle, Christophe en parlera avec beaucoup d’émotion.
Les expositions se déroulent tout naturellement, des salons parisiens et le salon des artistes français au grand palais où il obtient la Médaille d’Or et le Grand Prix du Salon en 1993. Par la suite sa rencontre avec Suzanne Tarasiève, galeriste sur Barbizon et haut personnage de la scène artistique française, sera déterminante et donnera naissance à une collaboration de plus de 18 ans.
Agrégé en arts plastiques, Christophe Ronel enseigne aussi depuis 1990 à l'Ecole Nationale Supérieure des Arts Appliqués et Métiers d'Arts Olivier de Serres à Paris. L’artiste partage son temps entre l’atelier, l’école et les voyages, une combinaison tripartite riche en complémentarités et source d’inspiration.

Christophe Ronel a commencé par le paysage sous l’égide de son père puis son travail a progressivement traversé les influences du fauvisme, de L’expressionnisme, du mouvement CoBrA, le tout sous influence de la figuration libre de la fin années 80. Des années 90 à 93 les grands formats apparaissent, l’art brut entre en scène, la palette se restreint et l’écriture fait son apparition, un chemin se dessine. De 1993 à 1994 la figuration sous-jacente refait surface mais tout autrement et l’écriture évolue. C’est au milieu des années 90 que « l’esprit Ronel » prend forme, une écriture artistique nourrie par les voyages, la littérature, les rencontres. L’artiste dira que « la finalité reste la peinture » une fois les sujets posés, tout reste à faire. Commence alors un travail d’intériorisation, d’interprétation, de recomposition pour recréer un tout artistique dans lequel la narration reprend la main.

Christophe Ronel aime se laisser surprendre, se mettre en quête de possibilités, rechercher de nouvelles compositions, faire des glissements. Il brasse les lieux, les cultures, les objets, tout est réinventé à l’infini. Ce que l’on sait moins c’est l’importance de la littérature et des mots indissociables du processus de création pour l’artiste. L’histoire continue de tableaux en tableaux allant jusqu’à inscrire le titre de l’œuvre au cœur de la matière. Les livres ont une grande importance, Christophe citera spontanément « les villes invisibles » d’Italo Calvino, « Mon nom est rouge » d’Orhan Pamuk mais aussi la littérature du Maghreb et celle du Japon, des mondes entiers à découvrir, des cultures à explorer, des mots et calligraphies à dompter.

Depuis une trentaine d'années, plus de 120 expositions personnelles lui ont été consacrées, en France et à l'étranger, aussi bien dans les galeries qu'en centres culturels et musées à Paris, Lille, Amiens, Le Touquet, La Baule, Rouen, Barbizon, Brest, Chartres, Grenoble, Lyon, Montpellier, Nice, Saint Jean De Luz, Saint Malo, Bruxelles, Casablanca, Marrakech, Sousse, Hanovre, Palm Beach, Singapour, Tokyo.
Ses toiles ont notamment été exposées au château de Vascoeuil, à l'abbaye de Cercanceaux, au Palais Bénédictine de Fécamp, à L'Hôtel de Région de Rouen, aux Archives de Chartres, au Conseil Général de Seine Maritime, dans la collection Brittany Ferries et au musée de Nice - musée Bourdelle, Paris - musée de la Poste, Paris - musée des Beaux-Arts, Le Havre - de Louviers, de Châteauroux, de Chartres, de Brive, d’Aix en Provence, de Gérone, de Sarajevo, de Shanghai, au centre d'art et de culture - Taegu, Corée - de Sarria - Espagne, dans les musées Japonais : Matsumoto, Fukuoka, Nagano, au Forum International de Tokyo, au Aoyama Spiral Hall de Tokyo, au Musée National de Chine à Pékin et au Musée National Chinois de Tianjin, au Musée National de Taiwan.
Christophe Ronel a participé à de nombreux salons et biennales : Salon de Mai Grand Palais Paris, Grands et Jeunes Grand Palais Paris, Comparaisons Grand Palais Paris, Art en Capital Grand Palais Paris, Salon d'Automne, Groupe 109 Grand Palais Paris, Art Paris, Saga, Linéart Gand, SIMAA Foire de Beyrouth, Biennale Internationale de Pékin, Artelys Bourg en Bresse, Start Foire de Strasbourg, Symposium international d'art sur papier de Taiwan, etc.
Ses toiles ont notamment été exposées au château de Vascoeuil, à l'abbaye de Cercanceaux, au Palais Bénédictine de Fécamp, à L'Hôtel de Région de Rouen, aux Archives de Chartres, au Conseil Général de Seine Maritime, dans la collection Brittany Ferries et au musée de Nice - musée Bourdelle, Paris - musée de la Poste, Paris - musée des Beaux Arts, Le Havre - de Louviers, de Châteauroux, de Chartres, de Brive, d’Aix en Provence, de Gérone, de Sarajevo, de Shanghai, au centre d'art et de culture - Taegu, Corée - de Sarria - Espagne, dans les musées Japonais : Matsumoto, Fukuoka, Nagano, au Forum International de Tokyo, au Aoyama Spiral Hall de Tokyo, au Musée National de Chine à Pékin et au Musée National Chinois de Tianjin, au Musée National de Taiwan.

Collections :
Musée de Nice - Fondation Compagnie Générale des Eaux - Ville de Boulogne-Billancourt - Conseil Général de Seine Maritime - Centres Culturels Français de Casablanca, Marrakech - Musée de Sarajevo - Compagnie Brittany Ferries - Cap Gémini - Fondation Plage pour l'art – Laboratoire Liquitex, Le Mans - Musée Daubigny, Auvers sur Oise – Fondation OVALTO...
Collections privées :
France, Belgique, Pays-Bas, Allemagne, Autriche, Suisse, Italie, Maroc, Liban, Etats-Unis, Mexique, Australie, Brésil, Chine, Singapour, Japon, Emirats Arabes…
Prix et commandes :
1991 : Prix Arletty, sélectionné pour la dotation
1992 : Invité au grand prix d’art contemporain, Monaco
1993 : Médaille d’Or et Grand Prix du Salon Des Artistes Français, Paris
1994 : Sélection France Japon, exposition dans 12 villes au Japon organisée par la revue l’Oeil et la Nippon Télévision.
1998 : Commande d’une peinture " trophée Jules Verne " Cap Gémini, Paris
2004 : Prix Rugale Michailov 2004 de la fondation Taylor.
2010 : Invité d’honneur au Salon de Vincennes
2012 : Invité à La Biennale Off, Park Hyatt, golf Al Maaden - Marrakech
Œuvres monumentales de la biennale de Marrakech, siège du groupe Alliances, Casablanca
2014 : Invité d'honneur Salon des Artistes du Marais - Mairie de Paris - 4ème arrondissement
2015 : Invité d'honneur Festival Puls’Art - Le Mans
Réalisation d’une frise murale de 40 m2 en mosaïque de céramique pour le ministère de la culture marocain - Centre de documentation historique d’Essaouira
2018 : Invité Kunst Doc Festival d’Art Contemporain de ULSAN - Corée du Sud.
”Tribute to Marcel DUCHAMP” Hommage au ready maker normand - Galerie de l’Hôtel de ville, Rouen
2022 : Prix Adolphe Gumery de la Fondation Taylor attribué à un peintre voyageur

Christophe Ronel : Les mots de la galerie

C’était il y a 15 ans et je n’ai pas oublié. En visite au salon de Lille Art Fair, j’ai découvert au détour d’une allée les tableaux de Christophe Ronel. Interpellée, je me suis approchée et suis entrée dans ce monde onirique à m’y perdre. Toutes mes allées-venues me ramenaient à son travail. Quinze années plus tard et pour mon plus grand bonheur nous travaillons enfin ensemble. Christophe est passionné, lorsqu’il parle de sa peinture et de ce qui l’anime il vous communique son entrain et sa joie de vivre, c’est pour moi une émotion intacte comme au tout premier jour que je souhaite vous faire partager ici.

Artiste expressionniste Joëlle Rousselet est un révélateur de liens. Son travail met en exergue ce qui unit l’homme à la nature. « C’est un Paysage d’âmes où se joue une partition, à la fois végétale, minérale et organique, humaine et animale. » à bien y regarder ses personnages et visages sont à la fois matière, temporalité et histoire. Tel l’archéologue découvrant les vestiges humains qui révèlent au monde son histoire, le spectateur se délecte de cette plongée dans la source de toute vie. Joelle Rousselet peint les connections, le mouvement les mues,
Il se joue un va et vient émotionnel entre les éléments de la nature et ses créations, une manière de se connecter au « vivant ». Joëlle Rousselet a intégré de très belles collections et a régulièrement de  très beaux articles de presse par les critiques d'art.

Joëlle Rousselet : Les mots de la galerie

J’ai découvert les œuvres de Joëlle Rousselet lors d’un Salon en 2020, elle était exposée par un confrère dont j’apprécie la sensibilité artistique. Plongée dans « l’âme » d’un des tableaux exposés j’ai eu la chance de rencontrer l’artiste. Il émane de Joëlle une grande sensibilité et beaucoup d’humilité, elle parle de son travail en toute simplicité et avec beaucoup de réserve. En 2021, Joëlle rejoint les artistes de la galerie !


Exposition 2022

TRIGLIA, les mots de la galerie