Les peintres 

Née en 1968, Amey est une artiste peintre française. Issue d'un parcours atypique, Amey poursuit depuis de nombreuses années son travail artistique mais ce n'est que plus tardivement qu'elle décide de s'y consacrer pleinement. Dans un premier temps elle travaille sur l'architecture de lieux désaffectés, de vieilles coques de bateaux, de ports industriels s'intéressant au passé de ces espaces de vie aujourd'hui délaissés. Elle reviendra sur cette thématique quelques années plus tard avec un travail proche du street-art, des œuvres réalisées sur toile rouillée. Mais l'artiste ne s'arrête pas là elle explore des sujets plus actuels comme New-York, Saint Pétersbourg, Istanbul en proposant des œuvres en lien avec le recueillement. Toujours passionnée par l'humain elle nous livrera une série sur les geishas mettant en opposition les cultures et les techniques.


Les mots de la galerie

Ce qui nous a séduit dans le travail d’Amey, c’est la force qui se dégage de chaque toile, un univers qui parle de l’humain, sans pour autant le montrer. Amey ne se définit pas elle-même comme une artiste, elle préfère dire qu’elle peint ses émotions, le couteau a remplacé la plume et la toile le papier. Amey peint souvent en réaction à des événements, elle peut donc varier les sujets même si son terrain de prédilection reste l’architecture. C’est ce travail même qui nous a conduit à la représenter. Ses oeuvres lui ressemblent, peu de mots mais l’essentiel est dit.

Laurent BOURO, artiste français né en 1967 en Touraine, s'est inspiré de ses nombreux voyages dans le monde entier (Europe, Afrique, Asie de Sud-Est, Australie, Nouvelle-Zélande, Amérique du Sud, Amérique Centrale, Caraïbes ... ). Baigné par les cultures, empreint par ces visages mémoire du passé, l'artiste a donné naissance, il y a plusieurs années, à la série "Masque Ürbains" issue de la rencontre et du métissage des  différentes influences culturelles et techniques. Les MÜ tournent autour de l'interrogation et l'ambiguïté que suscite le masque, révélateur d'une culture et incontournable apparat de l'anonymat.

L'artiste mène sans relâche un travail de recherche sur la matière, il expérimente les techniques, repousse les limites des matériaux, joue avec les transparences pour sublimer ses peintures à l'huile. Son nouveau sujet de travail inspire la profondeur de l'âme comme pouvaient le faire ses précédentes œuvres sur les visages. L'arbre, témoin du temps, de nos racines, quête de spiritualité, apparait dans les clairs obscurs comme indétrônable, mystique, observateur silencieux de nos actes, rayonnant à notre intention de sa pureté. Un récent travail sur les paysages met en exergue le travail sur les pigments. Des couleurs uniques, chaudes sur des paysages épurés a rencontré un franc succès auprès des collectionneurs.

Les mots de la galerie

C’est par la découverte des « Masques Urbains » sur le net que nous avons découvert les œuvres de Laurent Bouro et mené des recherches. Les transparences de l’huile sur fond noir, ces visages qui sont venus nous chercher, sont restés en projet d’intégration quelques temps. En 2014 nous échangeons et décidons de nous rencontrer. Je découvre alors un artiste d’une générosité et bienveillance exceptionnelles, une qualité de travail, une recherche et remise en question permanente qui me séduisent et annoncent un avenir très prometteur à cet artiste. Nous projetons une exposition et convenons de sa présence permanente en galerie, il faut que le public découvre ce travail remarquable. Notre persévérance a été récompensée, fidèle à lui-même Laurent a continué ses recherches, fait de nouvelles propositions sans jamais se satisfaire de ses acquis. Depuis 2014 c’est toujours un véritable plaisir de le représenter, de découvrir ses œuvres que nous recevons à chaque fois comme un cadeau.

Après des études à l’Ecole des Beaux-Arts d’Orléans, CAPTON s’est consacré à son art à partir de 1987, et dès 1991 à l’enseignement des arts plastiques. En 2003, il a cessé d’enseigner pour peindre à temps complet. Peintre animalier, portraitiste de taureaux et de vaches, CAPTON se consacre aussi au nu masculin.

CAPTON est un artiste engagé, un peintre exigeant et passionné. Il revendique pleinement l’héritage des anciens maîtres et leur idéal esthétique. Artiste de la Nouvelle Renaissance, la beauté et l’émotion qu’elle procure est au cœur de sa création.

Son travail fait souvent référence à l'univers de la ruralité dans laquelle il puise l'inspiration. Les œuvres de CAPTON évoquent ses questionnements quant à la compétence et la légitimité de l'Homme dans la gestion du monde.

Omniprésente, la question de la « domination » et de ses dérives, rejaillit de manière récurrente dans le travail de Capton. Domination de l’homme sur l’homme, domination de l’homme sur la nature et de sa destruction programmée. L’artiste interroge, nous met en garde contre ces comportements abusifs, destruction par l’homme de son environnement. Un cri d’alarme destiné à nous faire réfléchir et à changer nos comportements.
Le thème de « la nature sacrifié » pointe notre responsabilité sur le devenir de la planète et par des représentations provoquantes, l’artiste nous invite à mener une réflexion active.

Les mots de la galerie :

Notre rencontre avec les oeuvres de Capton date de plusieurs années, interpelées par son travail et les rapports de force et de domination qu'il dénonce nous avions immédiatement réagi. Une rencontre en galerie en 2016 nous a permis de mieux appréhender le travail et l'artiste pour finalement envisager une collaboration qui a pris forme en 2017 avec les Hommes-Taureaux. En 2018 nous introduisons en galerie son travail sur "la nature sacrifiée", un sujet qui nous tient à coeur et fin 2019 son travail animalier. CAPTON rejoint les artistes engagés de la galerie et nous offre un regard que nous n'avions pas encore montré.

 

Claire et Siri sont deux artistes, l’une Française, l’autre Norvégienne, qui peignent à quatre mains depuis bientôt dix ans. La spécificité de leur travail est le mélange de deux perceptions face au monde végétal. Cette complémentarité est leur signature.
Leur thématique de prédilection est « l’arbre », symbole commun à toutes les cultures et à leur mixité. La série « Racines » exprime la force de la nature par les oppositions de matière entre la rugosité du tronc de l’arbre et la légèreté de son feuillage.
Leurs oeuvres leur permettent d’exprimer leur émerveillement sans fin face à la multitude de des teintes.
" L’« Homme de Vitruve » structure nos toiles. Matière, couleurs et équilibre de nos arbres nous fournissent l’occasion de nous interroger sur nos propres racines et la place de l’homme dans le monde".
Claire et Siri espèrent ainsi contribuer à définir le sens de la VIE dans la conscience collective.


Les mots de la galerie
Le travail de ces deux artistes est un émerveillement constant devant un environnement qui parfois échappe à notre regard. La nature reprend sa place et le travail à 4 mains apporte cette complémentarité. J'ai particulièrement aimé cette approche de duo et ce partage au sens premier de l'art.

Ancien géomètre ayant refoulé son énergie créatrice, David Ferreira sut prendre le risque de se consacrer exclusivement à son art, la peinture,  qu'il pratique en autodidacte. Le succès grandissant de l'oeuvre chaotique d'un artiste peinant à se contenir, permit à David Ferreira de se consacrer exclusivement à la pratique de la peinture, d'une acrylique dense et fluorescente.

Levi Dos Santos lui même écrit :"Ferreira est un fulgurant, sans repères ni idoles. (...) Sa production en somme, ce n'est pas de la peinture, c'est un jaillissement maîtrisé." Ainsi on peut considérer l'instinct pictural de Ferreira comme un point de départ de sa création. D'une spontanéïté totale, David Ferreira ne fréquenta aucune école d'art, et cependant sa peinture ne souffre pas d'absences académiques. Sa structure particulière se noue à la rigueur de son esprit mathématique dont l'influence sur son oeuvre picturale n'est pas négligeable : Signes, équations insolubles ou figures géométriques ponctuent ses toiles, entrent en tension avec la luminosité quasi éléctrique des couleurs et des courbes.

David Ferreira joue avec la truelle, le compas, le pied à coulisse, utilise des matériaux divers en supports, surplus, ou signaux qui l'aident à se renouveler tout en conservant dans sa démarche artistique une cohérence réelle. Ainsi, l'amateur d'art n'a aucune difficulté à percevoir la continuité esthétique des différentes séries d'oeuvres telles que "Crayonnade", "Codes barres", "Toto et sa femme" ou "Wharolizé" par exemple.

"Une peinture sensorielle, sensuelle, une bavure...une peinture qui déborde", voilà ce que propose l'artiste dont l'oeuvre dynamique et dense ne laisse pas l'oeil indifférent.

Les mots de la galerie

Nous avons découvert son travail en 2010. Intriguée, parfois perplexe, attirée mais encore trop interrogative ce n’est que quelques années plus tard que David a rejoint nos artistes. Un univers que je devais découvrir, un artiste que je devais rencontrer. David nous emmène dans un monde naïf, gai, coloré, il ne joue pas à l’artiste, il est Artiste.  D’une imagination sans limite, tout sujet, toute situation, est source de création. David, une personne incroyablement en accord avec ses œuvres, j’étais conquise. Depuis 2014 nous avons appris à nous connaître et une belle collaboration est née. David Ferreira a immédiatement été accepté par les Bordelais. Dans un cabinet médical, une entreprise, dans un hall d’entrée, un salon, une cuisine, David a investi l’espace apportant avec lui sa bonne humeur. En 2018 David Ferreira devient l’artiste porteur des valeurs de la « Compagnie Fiduciaire » à Bordeaux. Il réalisera une œuvre de 8x5m pour le siège social de cette dernière qui ouvrira prochaine à Bordeaux. Un challenge ? oui, David adore ça ! mais aussi une belle collaboration avec l’entreprise, une œuvre qui fera parler d’elle.

Né en 1971 à Saint Dizier en haute Marne, Jean Christophe Fischer se passionne pour la peinture dès son plus jeune âge. Ne trouvant pas la profondeur d'âme qu'il recherche, à 20 ans, il arrête la peinture et se tourne vers la musique, la danse. Jean Christophe devient alors percussionniste et travaille pendant une dizaine d'année avec de grands maîtres.

"François Kokelaere m'a fait gagner 20 ans de recherche, je lui dois beaucoup."

Plus de 10 années d'observation, de rencontres lui permettront de murir sa peinture, de puiser dans la vie des réalités obscures, de ressentir au plus profond de lui même des sentiments altruistes dont il prend totalement conscience. L'artiste reprend enfin ses pinceaux et se cherche dans l'abstrait...mais, à sa grande surprise, c'est l'humain qui apparaît.

"Je n'ai rien vu venir, ce fut une découverte, la matière m'a fait toucher ma raisonnance profonde. Alors, comme une analyse insidieuse, je suis parti à ma rencontre...il faut que j'explore tout ça..."

L'homme devient son sujet de prédilection. Miroir de l'âme, sa peinture dévoile une humanité pleine de doutes, d'interrogations, d'incertitudes...le visage qui apparait sur la toile exprime toute la solitude de l'être humain, ses douleurs, ses angoisses. D'hier ou d'aujourd'hui ces visages multiples pourraient être ceux de demain. Tous ces yeux nous scrutent, nous suivent, nous pénètrent  et nous les entendons encore en nous éloignant. C'est assourdissant de vérité et troublant.

Les mots de la galerie

Avant même la création de la galerie j’étais irrémédiablement attirée par les œuvres de Jean-Christophe Fischer. Ma première « rencontre » artistique s’est faite via un magasine d’art, je ne pouvais détacher mon regard de ces yeux qui me scrutaient !!! dérangeant, certes mais tellement captivant. En 2013 je me décide et le contact pour lui proposer une collaboration, sans vraiment penser qu’il accepterait, nous étions une jeune galerie et lui bénéficiait déjà d’une belle représentation et d’une excellente notoriété. Son « oui » a été pour moi un cadeau inattendu, j’allais enfin avoir la possibilité de partager ce coup de cœur, de représenter son travail. Depuis 2014 je vous fais découvrir son univers et vous invite à le suivre dans sa création. Jean-Christophe est une personne engagée qui privilégie les rapports humains, un point commun qui nous relie et nous conforte dans notre collaboration.

Il y a peu, le déclic, faire Art de vivre ne suffit plus, elle concentre desormais son énergie créative à la réalisation d'oeuvres sensibles dans lesquelles la figure humaine est prééminente.
Peu importe le média, on retrouve une proximité dans sa manière de peindre et de sculpter. De la déconstruction expressionniste des codes académiques, forcenée parfois,émanent la tension, l'émotion.


Les mots de la galerie

Nous avons découvert les peintures d'Hellen Halftermeyer en 2017. L'émotion suscitée était telle que nous avons rapidement pris contact avec l'artiste. Des échanges intéressants, une approche très personnelle de la peinture, nous ont convaincues de présenter son travail en galerie. Une première rencontre avec l'artiste, suivie quelques mois plus tard d'une proposition artistique, donnaient du sens à notre future collaboration. En avril 2018, les premières toiles d'Hellen arrivent, un véritable plaisir que de découvrir ces oeuvres d'une sensibilté extrème. Hellen rejoint les artistes de la galerie et apporte une touche féminine, mystérieuse, profonde, au travail intense déjà présenté en galerie.
En parfaite harmonie avec l'esprit de la galerie nous suivons son travail avec beaucoup d'intérêt.

Michel Lagrange écrira un poème "Elle mystérieuse" inspiré par  une oeuvre d'Hellen

"Apparition passage entre-deux de la vie
Univers émouvant
De vitrail spirituel
Sans les cloisons d’un plomb de bas étage
En ce grand rêve océanique
Une impression de femme
Évanescente
Émerge ..."

Délicat, vibrant, puissant, le travail d'Ewa Hauton ne peut laisser indifférent.

Née en Pologne, où elle étudie les Beaux Arts, Ewa Hauton arrive en France en 1990. Elle gagne le prix "Les étoiles de la peinture" dès la première année.Après l'obtention d'un diplôme de Directeur Artistique en Publicité, elle commence une activité de graphiste, plasticienne, et scénographe, en parallèle de la peinture et de la sculpture.

Depuis plus de 10 ans, elle se consacre uniquement à la peinture. Sa rencontre avec une chorégraphe déterminera l'orientation de ses œuvres vers le mouvement, comme représentation profonde de vie.

Le corps, surtout féminin, est au cœur de son travail. Entre encre et peinture à l'huile, Ewa se débarrasse des matières et des formes superflues. Elle donne vie au mouvement, avec justesse et habileté.

Sur ses travaux à l'encre, une touche de couleur vient percer le noir et blanc, comme un jet de vie qui nous ramène vers l'essentiel. Les grands formats lui permettent une liberté de geste qui contribue à l'éclosion de son œuvre, mêlant peinture et dessin.

Les œuvres d'Ewa, comme des mirages oscillants, nous touchent d'une sensibilité subtile, et nous laissent fascinés devant tant de transparence.

Les mots de la galerie

Nous avons découvert les peintures d’Ewa Hauton par l’intermédiaire d’un confrère en 2016. Interpelées par son « geste » nous avons commencé à suivre son travail et avons eu le plaisir de faire sa première exposition en juin 2016 suite à de nombreux échanges. En 2018 j’ai eu le plaisir de faire enfin sa connaissance et j’ai pu apprécier sa générosité, son empathie et sa gentillesse. Ewa correspondait en tous points à ce que je ressentais devant une de ses œuvres. Libre, curieuse, ouverte elle ne cesse de parfaire son travail artistique. Abstraction, figuration, mouvement,  Ewa a su se créer une identité artistique reconnaissable.

Peintre français né en 1985, Henri LAMY interpelle par la spontanéïté de son oeuvre. Des visages et des scènes de vie colorés, traités au couteau, Henri maîtrise la technique et se laisse guider par ses émotions.

Influencé par Yan Pei Ming et Lucian Freud, Henri LAMY s'initie au "dripping" et affine son identité. De l'abstrait au figuratif, il existe un espace qu'Henri investit avec subtilité. L'artiste fait ses premières expositions en France dès 2006 et voyage de plus en plus régulièrement vers l'Asie où il réalise des résidences et des expositions de renom qui lui confèrent une réelle reconnaissance du monde artistique.

Très présent sur le marché asiatique, Henri se saisit de ces influences pour nous présenter un travail pluriculturel. Après sa participation à la Japan Expo à Yokohama, l'artiste a poursuivi par des expositions à Nanjing, Beijing, Tokyo, New York, Honk Kong, Singapore, Manille et dernièrement Bangkok.

Expositions

2017
- Artiste permanent, Bouillon d'art, Bordeaux, France
– Ugnayan sa Poblacion, programme de résidence artistique, Taverne Gutenberg & ZHostel Manila, Philippines
– Power, exposition personnelle, Qube Gallery, Cebu, Philippines
– Figurations Nouvelles, exposition collective, 59 Rivoli Gallery, Paris, France
– Dans quel état j'erre, exposition collective, Taverne Gutenberg, Lyon, France

2016
- Artiste permanent, Bouillon d'art, Bordeaux, France
– Charity Live Painting, Bergonié Foundation, Bordeaux, France with Bouillon d'art Art gallery
– exposition personnelle & performance peinture/Capoeira, SYP, Tokyo, Japan
– exposition personnelle & performance peinture/Capoeira, Zava Gallery, Tokyo, Japan

2015
– exposition personnelle, Le Petit Bateau, Sydney, Australia
– Co-fondateur résidence Taverne Gutenberg, Lyon, France
– Visages d’ailleurs, Bouillon d’Art Gallery, Bordeaux, France
– Malasimbo Music and Arts festival, Puerto Galera, Philippines

2014
– 100ECS exposition collective, 123 Daumesnil Gallery, Paris, France
– Résidence artistique, Montceaux-les-Mines, France
– Hope, exposition personnelle, Modern Gallery, Bangkok, Thailand
– Art’s Vice exposition collective, Lyon, France
– Malasimbo Music and Arts festival, Puerto Galera, Philippines
– Résidence artistique, Le Cent, Paris, France
– Enseignement du dessin, Orphanage House, Sao Paulo, Brazil
– La Désœuvre, exposition collective, Starter Gallery, Neuilly-sur-Seine, France

2013
– Jimmy Cliff & Joss Stone Portrait officiel, Manila, Philippines
– Auction, Little sisters of the poor, San Francisco, USA
– Wanderlust exposition personnelle, Altromondo Gallery, Manila, Philippines
– Vue Privée, Singapore
– Résidence artistique, Hôtel de Gallifet Art Center, Aix-en-Provence, France
– Résidence artistique, Fei Gallery (Cao Chang Di), Beijing, China

2012
– exposition collective, Galerie Modus, France, France
– exposition personnelle, Galerie Saint Charles, Lyon, France
– Lille Art Fair, Galerie Saint Charles, Lille, France
– A Fool’s War, exposition personnelle, Coral Contemporary, Nanjing, China

2011
– Art Auction (by Henri Anton), Westminster Hotel, le Touquet, France
– exposition personnelle at Galerie Flateurville, Paris, France
– Sélectionné pour participer à 59 Rivoli, Résidence artistique à Paris, France

2010
– Exposition, Art Up Déco, Paris
– exposition collective, Maille Store, Paris

2009
– exposition personnelle at Galerie LeHalle, Paris, France

Alias Lebaudy est un artiste Autodidacte. La gravure est entrée dans sa vie par hasard, une simple erreur de pochette de papier Canson l’a transporté comme par enchantement au-delà de tout imaginaire. Face à lui ce support noir à animer,
" Carte à gratter", d’un noir absolu sous couche blanche virginale.
Il lui restait à griffer la matière obscure, y trouver des mots, y mettre son âme.
Tant de richesses, tant de bassesses accumulées dans une existence. Cette existence à enfin poser, étendre tel un parfum d’éternité sur la matière de prédilection.
Tant de griffes, comme aléas de la vie à enjoliver, à rendre volutes et arabesques, à magnifier.
La foi, l’espoir sur la pointe d’une lame.
Sérénité, de celle qui s’émeut de ses rêves. L’artiste dira humblement de son travail : « Quel hasard majestueux d’avoir trouvé le prolongement de ses yeux, de sa main, de son être… »



Les mots de la galerie

J’ai découvert le travail d’Alias Lebaudy sur internet. D’abord interpellée par l’art de la gravure à laquelle je n’étais pas vraiment sensible je me suis surprise à entrer comme par magie dans son univers. Les noirs profonds délimitant des courbes majestueuses me captivaient. Nous nous sommes rencontrés une première fois il y a plusieurs années. Cet artiste atypique m’a touchée par sa sincérité et sa passion pour cet art. Il m’a offert une de ses gravures qui a très vite trouvé sa place dans mon salon. Chaque jour je prends un réel plaisir à la regarder et à replonger dans cet univers parfois mystique. Un matin la décision était prise j’allais présenter son travail aux amateurs d’art et leur faire découvrir une gravure actuelle, atemporelle.